Primate

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Primate.
Dirección: Johannes Roberts.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 84 min.
Género: Terror.
Interpretación: Johnny Sequoyah, Troy Kotsur, Kevin McNally, Jessica Alexander, Victoria Wyant, Kae Alexander, Charlie Mann, Gia Hunter, Tienne Simon, Benjamin Cheng, Miguel Torres Umba.
Guion: Ernest Riera, Johannes Roberts.
Producción: Walter Hamada, John Hodges, Bradley Pilz.
Música: Adrian Johnston.
Fotografía: Stephen Murphy.
Distribuidora: Paramount Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un chimpancé, criado con una familia, contrae una enfermedad similar a la rabia. Durante una fiesta en la casa,  las hijas y unos amigos son atacados por el animal tras volverse loco.

   LO MEJOR: No hay muchas películas de simios en el campo del terror, por tanto, no había mucha oposición para que esta se colocara como una de las propuestas más entretenidas y divertidas dentro de este subgénero. Básicamente porque no pretende otra cosa que lo que promete, ser una monster movie, que si no es porque tiene un presupuesto más holgado que una serie B típica, y por tanto, se ha distribuido para estrenarse en salas, pertenecería esa categoría. No hay mensaje ecologista (el animal no ha recibido malos tratos ni se ha experimentado con él) ni nada. Pasa algo que podría pasar, sin forzar. No quiere que pienses de más y por eso te da la explicación nada más empezar. Tiene muy claro que esto va de que un bicho se cargue a unos cuantos humanos. Para ello, Johannes Roberts, que ya dirigió una de las películas de tiburones más apañadas de la última década, “A 47 metros”, mantiene una puesta en escena muy efectiva, dosificando todo lo que puede la exposición directa del protagonista, el chimpancé. Ojo, le vemos mucho pero no siempre de forma clara. Y creo que eso funciona muy bien. Además, le agradezco profundamente que para la recreación del mono se hayan mezclado efectos prácticos con digitales, predominando como base los primeros. Eso le da una fisicidad que todavía no ha logrado emular el CGI hoy en día. Sientes que está ahí presente. De hecho, hay un actor ahí, y no precisamente para la captura de movimientos a lo Gollum. Otra cosa a agradecer es la brutalidad explícita de todos las muertes, algo nada habitual en el cine comercial. La película, una vez arranca (y tarda poco) va como un tiro, no se alarga de más, pues solo quiere que pases un buen rato.

   Interpretación: Poco que destacar en este apartado salvo la presencia del ganador de un Oscar, Troy Kotsur. Como curiosidad, hay un actor acreditado en el papel de Ben (chimpancé), Miguel Torres Umba.

   Escenas (SPOILERS!!): Todas las escenas de muerte son espectacularmente brutales y totalmente explícitas, tirando bastante del gore. Si alguien piensa que es exagerada la fuerza que pueda albergar un chimpancé y la agresividad con la que puede reaccionar, que busque los casos de los ataques documentados que hay, como el del chimpancé llamado Travis. El guion es simple pero tiene algunas buenas ocurrencias, como el de que los personajes se vean acorralados en una piscina porque el mono no puede nadar. De hecho, no son demasiado estúpidos, que es lo normal en estas películas, toman decisiones bastante lógicas. Otra secuencia interesante es cuando Ben está atacando a la hija mayor, gritando a pleno pulmón pero su padre no se entera de nada porque es sordo, lo que hace muy angustiosa la escena. Eso sí, la forma en la que es salvada al final es demasiado “hollywoodiense”.

   LO PEOR: El guion no puede ser más simple, más allá de que tenga un par de buenas ideas. Pero el desarrollo de los personajes es nulo pues la mayoría está ahí para que cuando le llegue su turno, el verdadero protagonista, el chimpancé, le dé matarile. Y sabes perfectamente quién se va a salvar, es muy predecible.

   REFERENCIAS: Otros simios bastante chungos en el género de terror son los de “Atracción diabólica” y “Link”. Y recomiendo ver el documental “Proyecto Nim”.

   CONCLUSIÓN: 6’5. Simple pero efectiva monster movie con un animal muy poco habitual en la gran pantalla en esta clase de películas, más cercanas a la serie B, que cumple con su labor de entretenimiento aunque no aporte nada más que eso.

Música de Película: Lo que el viento se llevó

 

   No descubro nada si digo que la música compuesta por Max Steiner para esta película es la más representativa del cine clásico y una de las más icónicas y reconocibles de toda la historia del cine, especialmente el tema dedicado a "Tara". Incluido en la cabecera de varios programas de cine, como el caso de "De película", en los ochenta.

Tema: Tara’s theme.

Película: Lo que el viento se llevó.

Intérprete o compositor: Max Steiner.

Escenas Míticas: Cine de época - Las amistades peligrosas

 

   Si de cine de época estamos hablando, había que traer la que está considerada una de las mejores películas de ese género y, sin duda, la mejor adaptación de la obra de teatro homónima de Christopher Hampton, que además la adaptó personalmente al guion de la película y ejerce de productor.

   Que ni mucho menos era la primera versión, sino a la tercera y después al menos hubo otras dos más, en cuanto a la gran pantalla se refiere, porque también las ha habido para televisión. Tan solo un año después, Milos Forman hizo la suya, “Valmont”, que fue un fracaso, precisamente por la proximidad a esta. Sin embargo, en 1999 sí tuvo éxito una nueva adaptación, llevando a la historia a la actualidad, lo que demuestra su intemporalidad, “Crueles intenciones”, para un público más joven.

   De hecho, lanzó a todos sus protagonistas, a Sarah Michelle Gellar,  Reese Witherspoon, Selma Blair y Ryan Phillippe. Este último y Gellar ya habían aparecido un par de años antes en “Sé lo que hiciste el último verano”. La película tuvo dos secuelas bastante inferiores, y hasta una serie, que tampoco fue demasiado buena y solo duró una temporada hace dos años.

   Pero es que la obra de teatro, a su vez, adaptaba la novela de Pierre Choderlos de Laclos, publicada en 1782, y que fue acompañada de gran polémica e incluso prohibida durante un tiempo en su país de origen, Francia, aduciendo su contenido en cuanto a sexo, hablando abiertamente del adulterio, la manipulación sexual y el libertinaje. Aunque el verdadero motivo fue que era una feroz crítica a la aristocracia, a la que retrataba como aburrida, amoral y decadente.

   Aunque cualquiera diría que Laclos tomó como referencia a Shakespeare, al cual dedicamos el mes pasado, pues “Las amistades peligrosas” no deja de ser una tragedia, donde la historia acaba fatal para todos los protagonistas principales, con ecos de “Macbeth” y “El rey Lear”, donde el diálogo es utilizado como arma y recuerda a los soliloquios del dramaturgo inglés.

   Aunque se consideraba pieza imprescindible a Glenn Close y John Malkovich fue elegido rápidamente, nadie habría pensado en ellos viendo la descripción que Laclos hace de sus personajes en la novela, mucho más jóvenes y atractivos. Pero lo cierto es que ambos lo bordaron. A Close sólo le impidió llevarse el Oscar una joven llamada Jodie Foster, en “Acusados”.

   Ambos pusieron como condición para aceptar el papel, que se eligiera a Michelle Pfeiffer, que inicialmente no convencía al director, Stephen Frears, aunque tras hacerle una prueba quedara encantado. La actriz y John Malkovich protagonizaron un romance real fuera de las cámaras que acabó con sus respectivos matrimonios.

   Completaban el reparto Keanu Reeves y una Una Thurman con tan solo 18 años, que se impuso a Drew Barrymore y Sarah Jessica Parker para el papel. En sus escenas de cama, con varios desnudos, con John Malkovich, este logró calmar sus nervios iniciales, haciendo bromas sobre la iluminación para quitar tensión a la situación, lo cual ella agradeció.

   No fueron los únicos obstáculos que tuvo que vencer todo el elenco de féminas del reparto. Los corsés que utilizaron eran rigurosamente fieles a la realidad y apenas las dejaban respirar. Hasta el punto que durante los descansos, no podían sentarse. Para que pudieran descansar, usaron unas “tablas de inclinación”, para que pudieran dar un respiro a sus pies y no estar continuamente de pie. Por cierto, Madonna apareció con uno de esos vestidos en los MTV Awards en 1990, en homenaje.

   Es la mejor película de Stephen Frears, que estuvo nominado al Oscar. Después hizo películas notables como “Los timadores”, “Héroe por accidente”, “Mary Reilly” o “Alta fidelidad”, pero nunca ha vuelto a llegar al nivel de “Las amistades peligrosas”. Sigue en activo pero lleva años pasando bastante inadvertido. Lo último más destacable data de 2006, “The Queen”, con Helen Mirren como reina de Inglaterra.

   Estuvo nominada al Oscar en siete categorías, logrando tres de ellas, las de guion adaptado, dirección artística y vestuario. Además de tener excelentes críticas, funcionó bien en taquilla, a pesar de no ser un género muy taquillero, recaudando 35 millones de dólares, cuando había costado 14.

Good boy

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Good Boy.
Dirección: Ben Leonberg.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 73 min.
Género: Terror, intriga.
Interpretación: Larry Fessenden, Arielle Friedman, Shane Jensen, Anya Krawcheck.
Guion: Alex Cannon, Ben Leonberg.
Producción: Kari Fischer, Ben Leonberg.
Música: Sam Boase-Miller.
Fotografía: Ben Leonberg.
Distribuidora: Independent Film Company.

   CRÍTICA
  

   SINOPSIS: Un perro se muda con su dueño, que sufre una enfermedad muy grave, a una casa vieja en el campo. Allí percibe una serie de fuerzas y presencias extrañas que no entiende.

   LO MEJOR: Parece que los directores siguen buscando modos novedosos de contar las historias cambiando los puntos de vista. Por ejemplo, mostrándola desde un encuadre único en el tiempo, como en “Here”, o ya en el campo del terror, desde el punto de vista de un asesino slasher o el de un fantasma. Claro que aquí hay que diferenciar que no se hace mediante una visión subjetiva del perro, es decir, la cámara no ejerce de ojos de él. Sino que es plenamente el protagonista y está en todas las escenas de la película. Ni tampoco desde el género del terror plenamente. Si tiene algún susto y su puesta en escena es claramente la de una película de terror, pero no es de las que pasas miedo. Se pasa más angustia respecto a lo que le puede pasar al perro. Los que tenemos animales ya conocemos la sensación de que tu mascota se ponga a mirar al techo o a una esquina o esté como inquieto sin motivo. Puede ser un insecto, percibir un ruido en la calle o de un vecino, inaudible para ti. No es un secreto que los animales tienen una capacidad sensorial enorme. Está demostrado que se adelantan a desastres naturales e incluso detectan enfermedades de sus dueños (como también apuntan en la película). Es decir, no es una fantasía. Pues esto aquí lo aprovechan pero decirnos que igual lo que está escuchando o viendo es algo sobrenatural, algo que les “encantará” a muchos. Ahora cuando veas a tu perro o gato comportarse de esta manera pues igual piensas que está viendo un fantasma. Aún sosteniendo que no la considero una película de fantasmas porque la presencia que vemos es otra cosa. En otra que aciertan es en no alargar esto más de la cuenta y le dan un metraje bastante ajustado, apenas hora y cuarto.

   Interpretación: Lo dije antes de verla, nominar a un perro por su interpretación me parece excesivo. Si me parece crear una categoría especial para animales. Sin embargo, después de verla, aunque sigo pensando lo mismo, si me parece que el perro hace un trabajo increíble. No sé cómo le han amaestrado pero si es verdad que parece que supiera el papel que está teniendo. Es muy llamativo. Por lo demás, tan solo hay cuatro actores humanos y solo uno está durante toda la película.

   Escenas (SPOILERS!!): Vamos a contestar a las preguntas más evidentes que la película puede plantear. ¿Qué es la presencia? No es un fantasma, es la figura que representa la muerte y que solo el perro puede percibir. Aparece en la primera vez que el dueño se pone enfermo. Por tanto, eso contesta la siguiente pregunta, ¿la casas está encantada? La figura no pertenece a ella, aparece en la anterior, lo hace cuando el hombre empieza a acercarse a la muerte. No ataca ni hace nada, sólo está ahí esperando. Podría ser que la casa ejerza de amplificador pero también que cuando le pasó lo mismo al padre, también se encontrara muy enfermo, y el aislamiento provocara el empeoramiento. Por tanto, la historia nos habla de un hombre con una enfermedad terminal y que su perro percibe el acercamiento a su muerte. ¿Por que este perro se salva y el anterior no? Por dos razones, porque a este le encuentran y le dan la posibilidad de salir o que también esté considera que aquí ya no tiene más que hacer. Es decir, deja que el dueño se vaya.

   LO PEOR: En un principio puede resultar algo pesada pues, al fin y al cabo, vamos acompañando constantemente al perro. Por tanto, no hay mucho diálogo, y cuando lo hay, este es más bien irrelevante.

   REFERENCIAS: Otras películas con puntos de vista originales que antes mencionaba, “De naturaleza violenta” (desde un asesino slasher) y “Presence” (desde el de un fantasma), de este mismo año.

   CONCLUSIÓN: 6’5. Original punto de vista que funciona gracias al enorme trabajo realizado con Indy, así es como se llama el perro protagonista, que intranquilizará a aquellos que compartan su vida con animales y vean ciertos comportamientos similares.

Música de Película: Hamnet

 

      La banda sonora compuesta por ese maestro que es Max Ritcher es de una belleza que solo un compositor de este nivel puede conseguir. No es la favorita para ganar el Oscar este año pero personalmente si la considero la mejor. Incluye un tema anterior de Ritcher, que de hecho, ya ha sido usado en otras películas pero que parece que se hubiera hecho para esta.

Tema: Of the sky.

Película: Hamnet.

Intérprete o compositor: Max Ritcher.

Tema: Of the discovered country.

Película: Hamnet.

Intérprete o compositor: Max Ritcher.

Tema: On the nature of daylight.

Película: Hamnet.

Intérprete o compositor: Max Ritcher.

Escenas Míticas: Cine de época - Lo que el viento se llevó

 

   “A Dios pongo por testigo que jamás volveré a pasar hambre”. Incluso la gente que nunca ha visto la película, reconoce esta frase. Lo que habla poderosamente del mito alrededor. Porque probablemente sea la película más mítica y mitificada de toda la historia del cine, a parte de considerarla una de las cien mejores de todos los tiempos.

   El estreno de una nueva versión de “Cumbres borrascosas” (los viejos clásicos nunca mueren) con Jacob Elordi y Margot Robbie, nos da la excusa para hacer un repaso por el cine de época, y vamos a empezar por la más grande de todas, que aúna varios géneros; el romance, el histórico, incluso el western, en definitiva, el cine épico, lo que es por encima de todo es una película de época.

   Un clásico que nunca muere. No en vano, ha sido reestrenada más veces que cualquier otro, concretamente en los años 1942, 1954, 1961, 1971, 1974 y 1989. En todos ellos ha captado la atención del público, acumulando 400 millones de dólares recaudados, cuando solo costó 4. Que si los trasladamos a la inflación actual se convertirían en unos 3.500 millones, pues es la película qué más entradas ha vendido, 405 millones.

   Además, es una de las películas más oscarizadas de la historia, llevándose diez de las trece estatuillas a las que optaba. Entre ellas la correspondiente a director, a Víctor Fleming, que era el acreditado, aunque fueron tres los que se sentaron tras las cámaras. Primero fue George Cukor, que fue despedido bastante pronto por diferencias de criterio, luego el propio Fleming, y después le sustituyó Sam Woody para terminar algunas escenas cuando este se retiró por agotamiento.

   Porque haciendo gala de la propia mítica de la película, realizarla supuso un esfuerzo titánico. Solo para el casting se emplearon casi dos años, haciendo entrevistas y posteriores audiciones a unas 1400 actrices. Además, el guion, basado en la novela homónima de Margaret Mitchell, sufrió múltiples revisiones tratando de rebajar el metraje, que aun así se fue hasta las cuatro horas de duración.

   Vivien Leigh consiguió el papel de Escarlata O’Hara casi de casualidad. Encajaba perfectamente en el personaje, tanto físicamente (en cuanto a la descripción de la escritora del libro) como por su rango de interpretación. Gustaba a todos pero por aquel entonces era una desconocida y preferían una actriz con más nombre.

    Por eso barajaron nombres como Bette Davis, Katherine Hepburn, Joan Crawford o Paulette Goddard. Pero cada vez que parecía que tenían a una, por alguna razón era descartada. Hepburn estaba muy interesada, pero no convencía el productor, David Selznick, que la vetó. La favorita de Margaret Mitchell era Goddard pero la controversia de su matrimonio con Charles Chaplin, la dejo fuera.

   Y vuelta a Vivien Leigh que sorpresivamente se quedó con un papel que la catapultó como estrella, le otorgó un Oscar y la hizo eterna como icono del cine clásico. El reparto lo completaban Clark Gabble (que se impuso a Gary Cooper), Olivia de Havilland, Leslie Howard. Y Hattie McDaniel, que se convirtió en la primera actriz afroamericana en conseguir también un Oscar, el de reparto.

   Aunque en la ceremonia no pudo sentarse junto al resto del equipo de la película, pues en 1939, en Estados Unidos había una importante segregación racial, y los negros no podían sentarse junto a los blancos. Lamentable decisión que no puede atribuirse a los responsables de la película sino a los organizadores del evento, y que nos sirve para tocar un tema peliagudo.

   Tras someterla al revisionismo histórico, la película fue fuertemente criticada acusándola de racista, hasta el punto que fue retirada del catálogo de HBO temporalmente en 2020, al que volvió con una explicación previa para añadir contexto a la historia, pero respetando todo el metraje original. Personalmente, creo que las películas son hijas de su tiempo y deben ser juzgadas en cuanto a su época y entorno social y cultural del momento.

   Es cierto que se hace una romantización de las plantaciones de algodón, donde no existe un problema moral sobre la esclavitud, pero es que todo en esta película está romantizado, hasta la Guerra de Secesión. 

   Lo que no se dice es que contribuyó en que se hicieran cambios respecto al trato a los actores negros en Hollywood. La propia Hattie McDaniel, criticada por hacer el papel de criada, dijo: “Prefiero interpretar a una criada que ser una criada”.

Hamnet

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Hamnet.
Dirección: Chloé Zhao.
País: Reino Unido.
Año: 2025.
Duración: 125 min.
Género: Drama.
Interpretación: Jessie Buckley, Paul Mescal, Joe Alwyn, Emily Watson.
Guion: Maggie O'Farrell, Chloé Zhao. Novela: Maggie O'Farrell.
Producción: Liza Marshall, Pippa Harris, Nicolas Gonda, Sam Mendes, Steven Spielberg, Kristie Macosko Krieger, Laurie Borg, Chloé Zhao.
Música: Max Richter.
Fotografía: Lukasz Zal.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un joven aficionado a la escritura de obras de teatro, llamado William Shakespeare, se casa con una chica nada corriente, Agnes. Pero la tragedia golpea a la familia que crean, y cada uno afronta el duelo de una manera diferente.

   LO MEJOR: Tenía clarísimo que la mejor película de la próxima edición de los Oscars sería “Una batalla tras otra”, pero ahora no solo no lo tengo tan claro sino que incluso considero que tal vez esta sea más favorita. Quizá no para el director, y no porque el trabajo de Chloe Zhao no sea excelente sino porque ya tiene su estatuilla y sabemos que estos detalles cuentan aunque no deberían. Y porque creo que hay ganas de reconocer a Paul Thomas Anderson (merecidamente). Pero vamos a centrarnos en la película. Hay que dejar claro que esto no es un biopic sobre William Shakespeare (al cual tan solo se menciona como tal en una ocasión), ni tampoco se centra en su obra. Es más, la verdadera protagonista es la que fue su esposa, y de lo que habla realmente es de la pérdida de un ser querido, del duelo y de la gestión de ese dolor. Y ahí sí enlaza con el tema de literatura del dramaturgo británico. Porque si explora sobre su inspiración, a través de la relación con su pareja y como manejaron esa tragedia. Desconozco la veracidad de lo que nos cuentan o de cuanto está documentada, pero lo cierto es que Shakespeare era un escritor de comedias hasta que cambió a tragedias, que son las que han trascendido mayormente a lo largo de los siglos y las que se han adaptado al cine múltiples veces. Pues aquí elaboran una teoría sobre el origen de esa tendencia a la tragedia. Me es igual si es verdad o no, la historia es preciosa. No me había emocionado tanto en una sala de cine desde “La ballena”. Nunca volverás a ver la historia de “Hamlet” de igual manera.

   Interpretación: Pueden envolver el Oscar y mandárselo directamente a casa de Jessie Buckley porque cualquier cosa que no sea que ella gane va a ser una tomadura de pelo, y lo dice un megafan de Emma Stone. Ya sabía que era buena pero lo que hace aquí está a otro nivel. Lo da todo, hasta el punto de eclipsar a un Paul Mescal que está muy, muy bien.

   Escenas (SPOILERS!!): Hay cuatro momentos que son de una intensidad dramática que si no te llegan al corazón es que eres de piedra. El primero de ellos es cuando Agnes (Buckley) da a luz al segundo de sus mellizos, una niña que inicialmente parece muerta. Literalmente se te corta la respiración. El segundo es cuando Hamnet se tumba al lado de su hermana terriblemente enferma y a punto de morir y se ofrece a cambiar su vida por la de ella. Te desgarra el alma. Al día siguiente ella está mucho mejor pero Hamnet está muy enfermo. El tercero es la muerte del niño, que por mucho que te lo esperes, al ver a su madre quebrarse como lo hace, romperse con ese grito de dolor, te hace inevitables las lágrimas. Y el cuarto es el final. Toda la parte de la última media hora, con la representación de “Hamlet” pero apreciando los simbolismos con la tragedia personal de los Shakespeare, y con esa Agnes tendiéndole la mano al actor que hace de Hamlet, en la escena de su muerte, como si fuera su propio hijo fallecido, a la vez que contagia al resto del público, que también le tiende la mano, es uno de los finales más bellos que he visto en mucho tiempo.

   LO PEOR: En tiempos en los que el público necesita una descarga de dopamina cada cinco minutos, una película pausada y que se toma su tiempo para desarrollar, a los yonkis de los impactos mentales sistemáticos, les resultará lenta. Y tampoco es para los obsesionados de la fidelidad a los hechos reales.

   REFERENCIAS: Adaptaciones de obra de Shakespeare hay muchas pero en las que salga el propio escritor no. Esta sería la antítesis de “Shakespeare in love”. Basada en la novela de Maggie O’Farrell, que adapta ella misma al guion.

   CONCLUSIÓN: 8. Es posible que sea la mejor película de los próximos Oscars. No es un biopic sobre Shakespeare sino un tratado sobre la pérdida, el duelo y la gestión del dolor, gracias a una gran Jesse Buckley. Cambiará tu visión de "Hamlet".

Música de Película: Romeo+Julieta

 

   La banda sonora tuvo casi tanto éxito como la película, en gran parte, gracias a la recopilación de canciones de pop/rock de los noventa, con grupos tan de moda como Garbage, The Cardigans o Radiohead. Aunque el tema principal fue compuesto específicamente para la película por Des´ree. En cuanto a la parte orquestal, corría por cuenta de un debutante como compositor de bandas sonoras, Craig Amstrong, que le dio un tono muy claramente operístico.

Tema: O Verona.

Película: Romeo+Julieta.

Intérprete o compositor: Craig Amstrong.

Tema: Crush.

Película: Romeo+Julieta.

Intérprete o compositor: Garbage.

Tema: I’m kissing you.

Película: Romeo+Julieta.

Intérprete o compositor: Des´ree.

Tema: Young hearts run free.

Película: Romeo+Julieta.

Intérprete o compositor: Kym Mazelle.

Escenas Míticas: Shakespeare - Romeo+Julieta

 

   “Romeo y Julieta” es junto a “Hamlet”, la obra de William Shakespeare más popular y también una de las más adaptadas al cine. No es esta la mejor adaptación de este título ni tampoco de las más destacadas del escritor en general, pero muy probablemente sea mi preferida, casi un placer culpable, porque es, de muy largo, la más atrevida, original y arriesgada.

   Tanto que algunos afirmaron que el propio Shakespeare estaría removiéndose en la tumba cuando se estrenó en cines, por cierto, el mismo año que el “Hamlet” de Kenneth Branagh hacía lo propio. Sin embargo, a pesar de ser una absoluta locura en el estilo de dirección, estética y montaje de imágenes, considero que conserva y, diría que hasta potencia, el alma de la obra original.

   Es cierto que rompía con todo lo clásico, que nadie se había atrevido a hacer algo tan radicalmente diferente a la hora de adaptar a Shakespeare a la pantalla, ya fuera la grande o la pequeña. No solo trasladaba la historia a la actualidad (finales de los noventa), es que casi parecía una distopia, cambiando totalmente el escenario a una ciudad ficticia llamada Verona Beach, rodada en México, muy alejada de la Italia de la obra.

   Las familias de los Montesco y los Capuleto eran una suerte de familias mafiosas donde sus matones se enfrentaban en las calles (la secuencia de la gasolinera es impagable), y las espadas y florines eran sustituidas por preciosos pistolones de plata y oro que absolutamente todo el mundo llevaba encima. Y donde los coches parecen salidos de un programa de remozados tipo “Overhoulin”.

   La película, que este año cumple treinta años, estuvo a cargo de un Baz Luhrmann, que tan solo había dirigido una película, “El amor está en el aire”. Que después volvería a revolucionarlo todo, esta vez en el musical, con “Moulin Rouge”, para continuar con algo más convencional, “Australia”. Se atrevía a hacer un remake de “El gran Gatsby”, un biopic de “Elvis” y lo siguiente que veremos es lo mismo pero de “Juana de Arco”.

   Ganó el Bafta por la dirección y el guion, y la película fue nominada a la mejor dirección artística en los Oscars. Además, aunque pueda sorprender, mayoritariamente tuvo críticas positivas y comercialmente fue un éxito. Solo costó 14 millones de dólares pero es que recaudó 147 en taquilla. Es la adaptación de Shakespeare más rentable.

   Para el papel de Romeo, aunque audicionaron actores como Christian Bale o Ewan McGregor (que luego si sería elegido para “Moulin Rouge”), se tuvo bastante claro desde el principio que el idóneo era Leonardo DiCaprio, que estaba tan entusiasmado con la idea que viajó a Australia para convencer personalmente a los responsables de Twenty Century Fox, cuando les asaltaron las dudas sobre el proyecto.

   Al igual que Kate Winslet, DiCaprio fue seleccionado para hacer “Titanic” tras una película sobre una obra de Shakespeare. Aunque estuvo a punto de ser también Claire Danes la elegida para la película de James Cameron al ver su enorme química en pantalla con Leonardo DiCaprio. Pero sería repetir exactamente la misma pareja en muy poco tiempo y el público podría seguir viendo a Romeo y Julieta pero en un barco.

   Porque “Titanic” forma parte de todas esas películas que no adaptan pero se inspiran en la fórmula creada por Shakespeare para “Romeo y Julieta”, la de dos amantes que proceden de mundos distintos, que hacen su amor imposible. Al igual que “Avatar”, “Grease”, “Crepúsculo” o “West side story”, que es prácticamente una pseudoadaptación. De las otras adaptaciones puras anteriores, las más destacadas son las de 1968, de Franco Zeffirelli y 1936 de George Cukor. 

   Claire Danes se impuso a actrices como Natalie Portman (la favorita pero solo tenía 13 años), Sarah Michelle Gellar, Jennifer Love Hewitt, la propia Kate Winslet o Christina Ricci. El reparto se completaba con nombres como Harold Perrineau, Pete Postlethwaite, John Leguizamo, Paul Sorvino, Brian Dennehy, Diane Venora y Paul Ruud.

   La película tiene una importante carga de simbología. En la fiesta de disfraces, sus trajes representan a los personajes. Julieta va de ángel, Romeo de caballero y Teobaldo de demonio, y los padres Capuleto de emperadores. Además, el agua está presente en los momentos más importantes de la historia. La presentación de Julieta, cuando se conocen (pecera), la declaración de amor mutuo (piscina), la muerte de Mercucio (playa), la de Teobaldo (fuente) y la escena de cama (lluvia). 

Caza de brujas

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Caza de brujas.
Dirección: Luca Guadagnino.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 139 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Julia Roberts, Andrew Garfield, Ayo Edebiri, Michael Stuhlbarg, Chloë Sevigny, Lio Mehiel, David Leiber, Thaddea Graham, Will Price, Christine Dye, Lailani Olan, Nora Garrett, Frankie Ferrari, Burgess Byrd.
Guion: Nora Garrett.
Producción: Luca Guadagnino, Brian Grazer, Allan Mandelbaum y Jeb Brody.
Música: Trent Reznor, Atticus Ross.
Fotografía: Malik Hassan Sayeed.
Distribuidora: Amazon MGM Studios, Sony Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una respetada profesora universitaria se encuentra en un dilema moral cuando una de sus estudiantes más brillantes acusa a un colega suyo y amigo, de una agresión sexual.

   LO MEJOR: Más que de sobra ha demostrado Luca Guadagnino que no tiene problema con meterse en temas especialmente espinosos. Y es justo lo que ha vuelto a hacer aquí. Porque el trasfondo es tan peliagudo que a la mínima se puede malinterpretar y herir sensibilidades. Sobre todo cuando hay quien parece interesarle desviar el verdadero mensaje de la película. Porque es justo lo que ha pasado. Algunos críticos (si, profesionales de esto) la han calificado la antiwoke (como les mola a algunos la palabrita) o antimetoo. Pues con el debido respeto (o sin él), o no se han enterado de la película o tienen una ideología previa que les impide la objetividad que en su trabajo se presupone. Sí es cierto que toda la trama gira en torno a una denuncia por abusos sexuales, pero de lo que pretende hablar realmente es de todo lo que genera alrededor de ella para todas las partes. De hecho, a medida que avanza la historia, el saber si la denuncia es falsa o no, va pasando a terreno secundario. Es más, aviso que eso va a quedar a interpretación del espectador. Guadagnino busca ser ambiguo deliberadamente, porque en la realidad nunca vamos a tener la certeza total de las historias. Y para hacernos dudar, va a darnos unos personajes cuyos comportamientos están lejos de ser los ideales. Durante toda la narración el tono se debate entre el thriller de intriga y el drama psicológico, imponiéndose este último finalmente. Quiere invitarte a reflexionar, no a resolver el misterio.

   Interpretación: Todas las interpretaciones son muy buenas. Pero Julia Roberts está a otro nivel, la mejor actuación en mucho tiempo. Al parecer, para el papel de la chica agredida se quería a Zendaya, pero por agenda no pudo ser. La sustituyó Ayo Edebiri. Los que la descubrimos en la serie “The bear”, sabemos que es el verdadero motor de ella. Y aquí confirma que tiene un gran futuro. Andrew Garfield tiene el papel menos agradecido pero cumple perfectamente, como siempre.

   Escenas (SPOILERS!!): Aunque no es realmente el tema principal, vamos a intentar responder a la incógnita de la historia. ¿Existió el abuso? Y la respuesta que por indicios es que sí. Hay una escena muy indicativa, cuando Alma (Roberts) y Hank (Garfield) se empiezan a besar en el apartamento, él no atiende la petición de ella de parar y reacciona agresivamente. Parece un comportamiento habitual. Además no niega que coquetea con todas las alumnas y la camarera del restaurante le trata como cliente habitual. Luego  sabremos que las llevaba allí a comer. No es una prueba pero sí muy sospechoso. Para los que piensan que Maggie (Edebiri) lo planifica todo desde el robo del recorte de periódico, recordar que está en alemán y ella lo traduce por Google varios días después del abuso, por tanto, no podía saber que hablaba de una denuncia falsa de Alma cuando era joven.

   LO PEOR: Se le va la mano a Luca Guadagnino con los metrajes y esto no es nuevo. Es que no hace una película por debajo de las dos horas. Aquí no era necesario sobrepasarlas. Ves escenas con conversaciones de largos parlamentos filosóficos que parece que lo único que pretenden es hacer la película más pretenciosa pero no terminan de aportar nada a la historia.

   REFERENCIAS: Películas que hablan de abusos de poder, “The assistant”, con Julia Garner. Sobre efectos de denuncias falsas, “La caza”, con Mads Mikkelsen. Y sobre dudas sobre lo que pasa en un caso, “Anatomía de una caida”.

   CONCLUSIÓN: 7. Guadagnino vuelve a meterse en un jardín, aunque su deliberada ambigüedad invita al espectador más a reflexionar sobre el tema en cuestión que a resolver el misterio que se plantea, aunque hay quien prefiera malinterpretarlo.

Música de Película: Mucho ruido y pocas nueces

 

    La música de esta película le sube el ánimo a cualquiera, mucho más en conjunción con las imágenes, tanto la del principio como la del final, en la cual se montaba un baile en plano secuencia que iba creciendo de cantidad de participantes, donde los actores ponían sus propias voces. El compositor de cabecera de Kenneth Branagh, Patrick Doyle, realiza uno de sus mejores, dándole un tono entre pastoral y renacentista que va como anillo al dedo a la adaptación de la obra de Shakespeare.

Tema: Overture.

Película: Mucho ruido y pocas nueces.

Intérprete o compositor: Patrick Doyle.

Tema: Strike up popers.

Película: Mucho ruido y pocas nueces.

Intérprete o compositor: Patrick Doyle.

Microcríticas Express: Hamlet (1990)/Hamlet (2000)

 

   Muchos piensan que esta era una versión para ser estrenada directamente en televisión, quizá por la trayectoria previa de Franco Zeffirelli, el director que ya había llevado precisamente a la pequeña pantalla la miniserie “Jesús de Nazaret”, un clásico de todas las Semanas Santas. Pero lo cierto es que fue estrenada en cines y fue rentable. Zeffirelli ya había adaptado a Shakespeare veinte años antes y bastante bien, de hecho, probablemente sea la mejor adaptación de “Romeo y Julieta”, y aquí se dispuso a hacer lo propio con la otra gran tragedia del dramaturgo británico. Y volvió a hacerlo bien, en un estilo de dirección claramente clásico, con un tono muy cercano al teatral. Fue la primera versión que vi de esta obra, que es mi favorita del escritor, allá por 1990, y aunque actualmente creo que la de Kenneth Branagh la supera ampliamente, me sigue pareciendo buena. Esta si está situada en el mismo tiempo histórico que el texto original, en la Edad Media, y de hecho, se rodó en un castillo real de Inglaterra, para salirse del escenario típico del teatro, logrando una ambientación perfecta. Es más, estuvo nominada a la mejor dirección artística y al vestuario, y no me extraña. La elección de Mel Gibson para el papel principal fue bastante sorprendente porque venía de protagonizar la trilogía de “Mad Max” y las dos primera entregas de “Arma letal”, un cine muy diferente. Sin embargo, Gibson realiza un muy buen trabajo. Además rodeado de un gran reparto, con nombres como Glenn Close, Ian Holm o Helena Bonhan Carter. 7’5.

   Se quisieron marcar una especie de “Romeo y Julieta”, la de Baz Luhrmann, es decir, trasladar la historia de la obra de Shakespeare de la Edad Media a la actualidad (la de 2000) pero conservando el texto original. Sin embargo, donde aquella funcionaba por su atrevimiento y su arrolladora estética, que la hacía visualmente muy atractiva, además de envolverla en un halo de fábula moderna, en esta creaban un producto más cercano a lo televisivo que a algo creado para la gran pantalla. Es lo que tiene Michael Almereyda, su director, que es capaz de contar historias interesantes pero sin el más mínimo sentido del ritmo. Para ejemplo, su versión de “Tesla”. No obstante, tiene algunos cambios curiosos, como sustituir el reino de la Dinamarca de la historia de Shakespeare por un emporio empresarial (precisamente llamada Corporación Dinamarca), cuyo CEO ha sido asesinado. Además, de situar la acción en plena Nueva York. Lo de la acción es una forma de hablar porque la película es bastante lenta y aún con ese radical cambio de escenario y de periodo histórico, se siente como muy teatral. Eso si, tiene un muy buen reparto, con un treintañero Ethan Hawke como Hamlet y nombres como Julia Stiles, Kyle MacLachlan, Leiv Schreiber, Jeffrey Wright, Casey Affleck o Diane Verona, entre otros. Y Bill Murray, aunque no se sabe muy bien que estaba haciendo, si es que no se lo estaba tomando en serio o no le convencía el papel. Así que, una versión curiosa por sus novedades y el elenco pero ni mucho menos una de las mejores adaptaciones del clásico shakesperiano. 5’5.