La Novia

 

    FICHA TÉCNICA

Título: La novia.
Dirección: Maggie Gyllenhaal.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 126 min.
Género: Terror, fantástico.
Interpretación: Jessie Buckley, Christian Bale, Peter Sarsgaard, Annette Bening, Penelope Cruz, Jake Gyllenhaal, Julianne Hough, Louis Cancelmi, John Magaro, Linda Emond, Jeannie Berlin, Matthew Maher.
Guion: Maggie Gyllenhaal. Personajes: Mary Shelley.
Producción: Maggie Gyllenhaal, Osnat Handelsman-Keren, Talia Kleinhendler, Emma Tillinger Koskoff.
Música: Hildur Guðnadóttir.
Fotografía: Lawrence Sher.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Es Chicago y en los años treinta. Frankenstein, tras varios intentos de contactar con ella, da con una doctora a la que le pide que le cree una compañera. Juntos resucitan a una mujer que había sido asesinada para que sea su Novia.

   LO MEJOR: Si la voy a salvar es por los pelos y casi haciendo un esfuerzo en base a unos motivos que ahora expondré. El primero de ello es que yo siempre voy a estar en el equipo de las cineastas valientes, los que tienen el atrevimiento de arriesgarse, que es justo lo que ha hecho Maggie Gyllenhaal, hacer algo totalmente distinto, hasta el punto de aproximarse al experimento formal. De hecho, algo que hay que aclarar es que no es un remake, casi ni siquiera una nueva versión de una de las mejores películas del cine de terror clásico, “La novia de Frankenstein”, que a su vez era secuela precisamente de uno de los grandes monstruos clásicos, “Frankenstein”, sino que es una historia independiente tomando como referencia los protagonistas de esas películas. Otra cosa es que el resultado sea satisfactorio. Y solo la puedo aprobar si la intención era hacer una caricatura, lo cual no solo no descarto sino que apuesto por ello. Porque solo eso puede ser la explicación para el cúmulo de excesos y exageraciones tanto desde la silla de la directora como desde las interpretaciones de sus personajes principales. Tiene algunos otros aciertos, como el impresionante diseño de producción y una serie de imágenes bastante potentes. Y narrativamente tiene ideas interesantes, como trasladar la acción a Chicago de los años treinta para acercarse al noir, o la inclusión del propio personaje de Mary Shelley (como impulsora de la posesión de la novia y narradora intermitente) o el tratamiento de la pareja protagonista como una mezcla de Bonnie y Clyde y el Joker y Harley Quinn.

   Interpretación: Tener dos actores del calibre de Jessie Buckley (reciente ganadora del Oscar) y Christian Bale, te aseguras buenas interpretaciones y ellos las entregan. Pero da la sensación que no han contado con una buena dirección de actores y llama especialmente la atención teniendo en cuenta que la directora también ha sido actriz y de las buenas. En cuanto a los demás, Jake Gyllenhaal, Peter Sarsgaard y Penélope Cruz, no se sabe muy bien qué hacen aquí. Si algo más Annette Bening. Todos excesivamente teatrales.

   Escenas (SPOILERS!!): Hay que ver lo bien resueltas que están escenas de acción, al menos en cuanto a lo formal. Como la caída de Ida (Buckley) por las escaleras, la pelea y asesinato de los dos tipos que la atacan, a cargo de Frankenstein (Bale) y el tiroteo final donde masacran a la novia como a Bonnie. Sin embargo, hay otras incomprensibles, gratuitas o que directamente sobran como el registro del policía propasándose con ella o las explicaciones que se dan los detectives, que parecen como un pegote.

   LO PEOR: El problema es que es un completo caos narrativo, con un guion que en ocasiones roza el disparate. Puede que la razón es que claramente ha sufrido tijeretazos y se haya mutilado la idea inicial. La cuestión es que los personajes saltan de una escena a otra como si faltaran partes entre medias. Hay otros metidos con calzador, como los detectives. Hay cosas que te cuentan mediante diálogos en lugar de enseñarlas con imágenes. Es un sindiós.

   REFERENCIAS: Se supone que era un remake de “La novia de Frankenstein”, de 1935, de James Whale, pero tiene más cosas en común, y no en el buen sentido, con “Joker: Folie à deux”. Y tal vez como ella, sea una de las decepciones del año.

   CONCLUSIÓN: 5´5. Una atrevida, original y muy arriesgada versión de Maggie Gyllenhaal de uno de los grandes clásicos del terror que, sin embargo, cae en el caos narrativo y en el exceso de las interpretaciones de sus protagonistas.

Escenas Míticas: Moda - El diablo viste de Prada

 

   El estreno de la secuela, veinte años después de su precedente, de “El diablo viste de Prada”, recuperando a prácticamente todo el reparto, con varios de sus integrantes claramente revalorizados, e incluso convertidos en estrellas en estas dos décadas, nos da la posibilidad de realizar un repaso de varios títulos que tienen el mundo de la moda como trasfondo. Y lo hacemos intentando tocar varias vertientes de cine dentro de este tema.

   Como no, comenzando con la original de la que se estrena ahora, que muchos se equivocarían si la tomaron por una comedia ligera más. Es más, tuvo más controversia de lo que cabría esperar aunque esta fuera más bien previa a su llegada a las salas de cine. Sobre todo en cuanto a la negativa de varios diseñadores a aparecer en la película realizando un cameo por miedo a las represalias. 

   Porque aunque el argumento gire en torno a una revista de moda ficticia, Runway, no es muy difícil adivinar que está representando realmente a Vogue, y que el personaje de Miranda Priestly hace lo propio con su directora, Anna Wintour. Y tal era su poder en el sector de la moda y tan despiadado el retrato que se hace de ella en la película, que muchos no quisieron participar de ello por miedo a ella.

   Porque está basada en la novela, bestseller en su momento, de Lauren Weisberger, quien precisamente trabajó para Wintour y Vogue durante once meses y es más que probable que la historia adapte vivencias propias de la periodista, y que incluso el personaje de Andy Sachs se refiera a ella misma cuando ejerció de asistente suya. De hecho, el despotismo de Miranda en la película es calcado al de Anna Wintour en la vida real.

   Weisberger tomó su experiencia como excusa para llevar a cabo una sátira del mundo de la moda, inspirándose también en la película “Prêt-à-porter” de Robert Altman. Además, se muestra la jerarquía de ciertas empresas y de sus mandatarios como un reflejo de las luchas de poder, a la vez de los abusos de esos directivos y jefes sobre sus subordinados.

   Por muy exagerado que pueda parecer el retrato que se hace de Anne Wintour, por lo visto en el documental “The September issue”, no lo es en absoluto, y resulta que ese despotismo que se exhibe en la película es totalmente fidedigno. Sin embargo, contrariamente a lo que se podría esperar, Wintour declaró que le había gustado la película y elogió la interpretación de Meryl Streep.

   Que fue nominada al Oscar, aunque incomprensiblemente en la categoría de actriz principal cuando la protagonista era una Anne Hathaway no muy conocida por entonces, que solo había desempeñado ese rol en “Princesa por sorpresa” y solo había aparecido en una película de relevancia, “Brokeback Mountain”, en un papel secundario. Por tanto, fue “El diablo viste de Prada” la que la lanzó realmente como actriz. Seis años después lograría su propia estatuilla por “Los miserables”.

   Tampoco era muy conocida su compañera de reparto, Emily Blunt, hoy una actriz muy reconocida por interpretaciones como la de “Sicario” o “Un lugar tranquilo”, entre otras. Sí lo era como secundario de lujo Stanley Tucci. Acompañados por figuras de la moda que no tuvieron problemas en realizar sus respectivos cameos, como Heidi Klum, Gisele Bündchen o el diseñador Valentino Garavani.

   Como tampoco pusieron objeción a estar presentes en pantalla marcas tan reconocidas como Chanel, Pellegrino, Starbucks, Calvin Klein, Armani o Hermès. Y no les salió mal la jugada pues la película, incluso teniendo división de opiniones en cuanto a las críticas, fue un rotundo éxito de taquilla. Costó 35 millones de dólares y recaudó 326.

   Que, sin embargo, contaba con un director poco fraguado en cines y que había cimentado su carrera en la televisión, eso si, en series de la calidad de "Hermanos de sangre", "De la tierra a la luna" o "Sexo en Nueva York". Se trata de David Frenkel, que también ha vuelto para ocuparse de "El diablo viste de Prada 2".

Cumbres borrascosas

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Cumbres borrascosas.
Dirección: Emerald Fennell.
País: Reino Unido.
Año: 2026.
Duración: 136 min.
Género: Drama.
Interpretación: Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Alison Oliver, Owen Cooper, Shazad Latif, Martin Clunes, Ewan Mitchell, Amy Morgan, Jessica Knappett, Charlotte Mellington, Vy Nguyen.
Guion: Emerald Fennell. Novela: Emily Brontë.
Producción: Emerald Fennell, Margot Robbie, Josey McNamara.
Música: Charli XCX.
Fotografía: Linus Sandgren.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Catherine y Heathcliff han estado juntos desde la niñez. Pero cuando llegan a adultos, el amor que han llegado a sentir el uno por el otro, sufre los obstáculos de la sociedad en la que viven.

   LO MEJOR: ¿De verdad alguien pensaba que Emerald Fennell, la responsable de "Una joven prometedora" y "Saltburn", haría una versión convencional, que sería una película típica del género, con un estilo clásico a lo "Sentido y sensibilidad"? ¿De verdad todavía se exige fidelidad a una novela que ha sido adaptada, literalmente, decenas de veces, tanto para el cine como para la televisión? Ya que eso ya nos lo han mostrado en múltiples ocasiones, qué menos que concederle un poco de libertad creativa a su autora para hacer una versión que ella justifica que es como se la imaginó en su cabeza. Aunque no fuera así, no se va a morir nadie por ver algo distinto alguna vez. Pues nada, tanto la crítica como los fans de la novela de Emily Brontë, que han salido de hasta debajo de las piedras, le han dado por todos lados, lo cual se ha pasado por el forro la película porque no ha impedido que recaude la nada despreciable cifra, sobre todo para un producto de este tipo, de casi 250 millones de dólares. Personalmente la considero una versión atrevida, provocadora, original y... fresca. Vivan los valientes y las valientes del cine, como Emerald Fennell, que ha hecho una película visualmente bellísima, con planos para enmarcar, con un diseño de producción impresionante, especialmente en el apartado de vestuario, que rebosa pasión de principio a fin, desde el erotismo y la atracción de sus dos personajes principales, sin tirar de escenas de sexo explícitas.

   Interpretación: Hubo un tiempo en que a pesar de sus buenas interpretaciones y de elegir proyectos de notable calidad, Margot Robbie no tenía suerte con la taquilla. Eso cambió drásticamente tras "Barbie". Aquí, tanto ella como Jacob Elordi están magníficos. Y no solo porque su atractiva  presencia física, la de ambos, sea incuestionable, sino porque sus interpretaciones son totalmente entregadas, porque la química entre ambos es fuego puro y hace que explote cuando ambos están en pantalla.

   Escenas (SPOILERS!!): El resumen que hace el personaje de Isabela (Alison Oliver) del final de la obra de Shakespeare, "Romeo y Julieta", ya anticipa la tragedia en la historia de Catherine (Robbie) y Heathcliff (Elordi), en cuanto a que la falta de noticias del uno del otro, provocada por la criada, Ellen (Hong Chau), va a provocar el fatídico desenlace, tremendamente sangriento, por otro lado. Porque todo está exagerado en esta historia, reflejando el exceso de una relación que no deja de ser tóxica para ambos. Y que provoca situaciones como con la relación de Heathcliff con Isabela, de pleno sadomasoquismo (esto sí que no lo vi venir).

   LO PEOR: Que la gente sea tan hipócrita de ir a ver una película solo para poder criticarla a gusto después, lo que ya les predispone a cerrarse en banda ante cualquier atisbo de innovación artística. En mi opinión, lo único reprochable, y no mucho, es quizá obsesionarse con buscar planos postales.

   REFERENCIAS: Si tiene que parecerse a alguna versión anterior de "Cumbres borrascosas", y no es mucho, sería la de 1992. Pero me ha recordado más a la también innovadora, aunque no tanto, versión de "Anna Karenina" de 2012. Y al atrevimiento de la "Romeo y Julieta" de Baz Luhrmann.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Un éxito de taquilla a pesar de sus detractores, que no son pocos, quizá los que pensaron que una cineasta como Emerald Fennell haría un versión convencional de la múltiplemente adaptada novela de Emily Brontë.

Música de Película: The Doors

 

   Que mejor banda sonora que una recopilación de los mejores temas, que no son pocos, de uno de los grupos musicales más importantes de la música moderna. Se regrabaron muchos de ellos con la voz de Val Kilmer, que se implicó tanto que los propios miembros de The Doors aseguraban no poder distinguirla de la de Jim Morrison.

Tema: Riders on the storm.

Película: The Doors.

Intérprete o compositor: The Doors.

Tema: Broken through.

Película: The Doors.

Intérprete o compositor: The Doors.

Tema: Light my fire.

Película: The Doors.

Intérprete o compositor: The Doors.

Tema: The end.

Película: The Doors.

Intérprete o compositor: The Doors.

Tema: Carmina burana.

Película: The Doors.

Intérprete o compositor: Carl Orff.

Bronca T2

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Bronca 2.
Dirección: Lee Sung Jin (Creador), Lee Sung Jin.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 45 min )8 episodios).
Género: Comedia, drama.
Interpretación: Oscar Isaac, Carey Mulligan, Charles Melton y Cailee Spaeny, Youn Yuh-jung, Song Kang Ho, Seoyeon Jang, William Fichtner, Mikaela Hoover y BM.
Guion: Lee Sung Jin.
Producción: Lee Sung Jin.
Música: Finneas O'Connell.
Distribuidora: Netflix.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Cuando una pareja de jóvenes, que trabaja en un club de campo, presencia una violenta discusión entre sus jefes, que además son matrimonio, se desencadena una serie de situaciones que van creando cada vez más tensión entre ellos.

   LO MEJOR: No suelo hacer crítica larga de segundas temporadas de series salvo que aporten algo tan distinto como para comentarlo, como es el caso, de hecho, esta es una historia totalmente diferente a la de la anterior temporada y no tiene ninguna vinculación con ella. Porque la primera fue concebida como una miniserie y quedaba cerrada. Para hacer una segunda, su creador pensó en ofrecer una historia independiente pero con algunas características comunes, a modo de antología, de tal manera que, efectivamente, tienen argumentos distintos pero comparten espíritu. El de representar la naturaleza humana cuando es llevada al extremo en cuanto a tensión, y de paso servir de crítica de la diferencia de clases sociales, aunque aquí va más allá, en su retrato del sistema de poderes. Además, ambas se mueven en el terreno de la tragicomedia pero con toques de thriller, y argumentalmente inician de forma similar, con una gran bronca. No obstante, mientras en la primera, una discusión se torna en la escalada de un enfrentamiento cada vez más violento entre dos personas y se centraba en eso, en la segunda, es la discusión de una pareja la que los vincula casualmente a otra y ambas se ven envueltas en una trama más compleja ya preexistente. Así que sí, es una historia más enrevesada y llena de giros, basada en uno de los mejores guiones de una serie en lo que llevamos de año, que tiene la habilidad de mostrar a todos sus personajes con acciones bastante cuestionables sin poder considerarlos villanos. La ambigüedad es su mayor virtud.

   Interpretación: Aquí sí supera a la primera temporada, y no precisamente porque el trabajo tanto de Steven Yeun como de Ali Wong no fuera excepcional. Pero es que aquí tenemos un reparto en distintas franjas de edad y diferentes nacionalidades. Por un lado tenemos la pareja formada por Oscar Isaac y Carey Mulligan, por otro la de Cailee Spaeny y Charles Melton, y luego la de los coreanos Youn Yuh-jung ("Minari") y Song Kang-ho ("Parásitos"). Y todos están realmente geniales. Especialmente se merecen ser nominados.

   Escenas (SPOILERS!!): Vamos directamente a destripar el final de la serie. ¿Por qué Austin cambia de parecer en el taxi? Porque se da cuenta que se ha precipitado con Eunice, su voz por teléfono parece protocolaria, desapasionada. Le indica que no le quiere. Sin embargo, Ashley (Spaeny) le asegura, cuando ya está segura que le ha perdido, que siempre le querrá. Y puede resonarle la frase de ella, "al menos nosotros ya conocemos las mierdas del otro". Ashley se ha mostrado como una pareja tóxica y muchas de sus acciones son claramente cuestionables pero si bien, no están justificadas, si están explicadas. Ashley es la más traumatizada por el pasado y la más dañada en la historia y sus acciones se basan en el miedo, no en la maldad. Aunque al final se convierten en la pareja que en el principio habrían visto discutir violentamente. Los ricos usaban a Joshua (Isaac) y Lindsay (Mulligan) y ahora hacen lo mismo con Ashley y Austin.

   LO PEOR: Que no haya tenido la respuesta esperada por parte del público y eso conociendo a Netflix ponga seriamente en peligro una tercera temporada. Es verdad que es inferior a la primera y que en el último episodio se descontrola un poco pero sigue siendo un producto por encima de la media.

   REFERENCIAS: Continúa su creador, Lee Song Jin, dirigiendo y escribiendo, como en la primera temporada, pero la historia está más cerca de “The White Lotus” y “Parásitos”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Sin estar al nivel de a primera temporada, si lo está a uno superior a la media, con una historia totalmente independiente de su precedente pero con el mismo espíritu de la naturaleza humana sometida a presión.