jueves, 31 de octubre de 2013

Iron Man 3



FICHA TÉCNICA

Película: Iron Man 3.
Dirección: Shane Black.
Países: USA y China.
Año: 2013.
Duración: 130 min.
Interpretación: Robert Downey Jr. (Tony Stark / Iron Man), Gwyneth Paltrow (Pepper Potts), Don Cheadle (James Rhodes / War Machine), Guy Pearce (Dr. Aldrich Killian), Ben Kingsley (Mandarín), Rebecca Hall (Maya Hansen), James Badge Dale (Eric Savin), Jon Favreau (Happy Hogan), Stephanie Szostak (Ellen Brandt), William Sadler (Sal).
Guión: Shane Black y Drew Pearce; basado en los cómics de Jack Kirby, Stan Lee, Don Heck y Larry Lieber.
Producción: Kevin Feige.
Música: Brian Tyler.
Fotografía: John Toll.
Montaje: Jeffrey Ford y Peter S. Elliot.
Diseño de producción: Bill Brzeski.
Vestuario: Louise Frogley.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tony Starks se enfrentará esta vez a un enemigo capaz de destruir todo su imperio, privándole así de todos sus privilegios y todas las ventajas que le aportaba la tecnología que utilizaba para sus creaciones. Tendrá que volver a valerse de su ingenio para revertir la situación.
   LO MEJOR: Considero que es un aspecto con tantos pros como contras, por lo que volveré a repetirlo en el apartado de lo negativo. Y es que, en busca de no redundar con los mismos esquemas tanto de la franquicia como del género de superhéroes por antonomasia, la película ofrece algunas variantes argumentales situando al héroe de turno bajo circunstancias no habituales para él, es decir, privándole de sus ventajas especiales y viendo como sale de ellas como una persona corriente. Continua, por otro lado, con lo que ya funcionó con las antecesoras, es decir, apoyar el desarrollo en la interacción de los personajes y en un guión más o menos elaborado. Aún así, no está exenta de escenas espectaculares, aunque menos de las esperadas.
   Interpretación: Robert Downey Jr se ha apropiado de tal manera del personaje que ya uno no puede imaginarse a otro actor encarnándolo. En su día me sorprendió la elección del actor para meterse en el traje de Iron Man pero Downey lo ha hecho suyo y le ha aportado su toque personal hasta el punto de ser la piedra angular de “Los vengadores”. Además, es un actor capaz de sujetar por si solo una película. En esta entrega vuelve a estar a la altura. El villano es otra cosa, no se ha explotado como debería a Ben Kingsley (se hace prácticamente un sacrilegio con el Mandarín) ni a Guy Pierce (no me explico porque a este actor no se le da más cancha, ya no aquí, en general).
   Escena (spoiler): Aunque no sea mi parte favorita, no está mal ver a Tony Starks aliarse con un chaval para reconstruirse el traje de acero (evocando a como lo consiguió en la primera entrega). Para mí, la escena más espectacular es la del ataque con helicópteros a la mansión-imperio de Starks. Bastante buena. Como parte cómica, la secuencia en la que prueba como las piezas de la armadura se le colocan automáticamente en el cuerpo. El final, aunque dotado de gran espectacularidad, no llega al de sus predecesoras.
   LO PEOR: Como ya decía, su mejor baza también es, no la peor, pero si un contra en ciertos aspectos. Como que por muy original que pueda ser, no termina de enganchar. Al final, salvo en casos como el de “El caballero oscuro” donde mezclaron el cine de superhéroes con el cine negro y el thriller, lo que uno quiere ver en estas películas es acción y superhéroes. De hecho, en ésta, son relativamente pocas las veces que Tony Starks lleva su armadura puesta.
   CITAS: “Sólo digo que el elemento humano es un punto grave de vulnerabilidad”. “Voy a darte una opción: ¿quieres una vida vacía o una muerte significativa?". "¿Y por qué les cuento esto? Porque acababa de crear demonios y ni siquiera lo sabía”.
   REFERENCIAS: Pues claro que el resto de la saga. Aunque haya muchas voces que digan que es la mejor de las tres, no puedo estar más en desacuerdo. De hecho, es inferior a las dos anteriores. Mi preferencia seria la primera parte, por supuesto. Curiosamente donde más me gustó este personaje fue en “Los vengadores”.
   CONCLUSIÓN: 7. Sigue manteniendo el pulso pero se deja algo por el camino.



martes, 29 de octubre de 2013

Escenas Míticas: Poderes mentales - Recopilación

"Carrie" (TV)


   Versión televisiva de "Carrie" del 2002. En esta ocasión le tocó el turno a Ángela Bettis (recomiendo verla en "May"). Esta actriz siempre me ha parecido bastante buena y su características interpretativas me parecieron idóneas para el papel.







   Evidentemente, la película es, sobre todo, con un formato muy de televisión. Pero el caso es que, salvo el desenlace final, sus arrebatos de ira eran más fieles a la novela de Stephen King que en la versión de Brian de Palma.

"La ira, Carrie 2"


   Como veintitrés años después llegó una especie de secuela del clásico "Carrie" que más parecía una actualización de la obra de De Palma que otra cosa pues el argumento es un calco de ella. Sin embargo, la ejecución del mismo dejó mucho que desear. La película no es gran cosa pero os dejo su "enfado" final.



"La furia"


   Tras el éxito de "Carrie", Brian de Palma repitió temática sobre personas con poderes telekinéticos pero con distinto argumento. No tuvo, ni por asomo, la misma repercusión, a pesar de contar con Kirk Douglass en el reparto. El video es una especie de montaje de las imágenes más impactantes del film.



"Looper"


   Abstenerse los que no la hayáis visto aún, y si no lo habéis hecho, no sé a que estáis esperando, porque es relativamente una película reciente. A mí me encantó, un film que agrupa varias vertientes y varios géneros, desde el cine negro de matones, pasando por la ciencia-ficción de los viajes en el tiempo, hasta los poderes paranormales.




   Lo siento pero es que todos estos finales con explosiones de ira telekinética me recuerdan a lo mismo, si, a "Carrie". De hecho, creo que todas estas películas, de una manera u otra, son descendientes suyas.


   Veamos si el estreno del remake de "Carrie" se produce finalmente en diciembre y no sufre más retrasos, algo que no da buena espina. Al parecer la respuesta del público no ha sido la esperada al otro lado del charco pero la crítica no la ha tratado mal, lo que me da esperanzas. No porque me fíe de ella pero estaba convencido que la masacrarían, y al no ser así . . . Yo la veré procurando no compararla con el clásico. Hasta entonces, este especial ha podido servir de adelanto del tema de "poderes mentales".

P.D. : Tanto hablar de "Carrie" y alguno habrá pensado que se me ha olvidado poner sus escenas. No, están incluidas en un especial de "Clásicos del terror". Si alguien quiere echarle un vistazo a lo mejor de la versión de 1977: http://clubcinefilos.blogspot.com.es/2012/10/escenas-miticas-clasicos-del-terror.html



domingo, 27 de octubre de 2013

Siete psicópatas



   FICHA TÉCNICA

Película: Siete psicópatas.
Título original: Seven psychopaths.
Dirección y guión: Martin McDonagh.
País: Reino Unido.
Año: 2012.
Duración: 110 min.
Género: Comedia negra.
Interpretación: Colin Farrell (Marty), Sam Rockwell (Billy), Woody Harrelson (Charlie), Christopher Walken (Hans), Tom Waits (Zachariah), Abbie Cornish (Kaya), Olga Kurylenko (Angela).
Producción: Graham Broadbent, Peter Czernin y Martin McDonagh.
Música: Carter Burwell.
Fotografía: Ben Davis.
Montaje: Lisa Gunning.
Diseño de producción: David Wasco.
Vestuario: Karen Patch.
Distribuidora: Vértigo Films.

  
   CRÍTICA

   SINOPSIS: Mientras un guionista alcohólico intenta escribir una historia con siete psicópatas como protagonistas, dos amigos suyos secuestran perros para luego cobrar las recompensas de encontrarlos. Pero uno de ellos pertenece a un peligroso matón mafioso.
   LO MEJOR: Se trata de un argumento repleto de situaciones de lo más disparatado. El gamberrismo está por doquier y eso hace de la historia algo tan delirante como fresco, que no está mal de vez en cuando. Es más, tal cúmulo de despropósitos logra la sensación de que todo el mundo está loco, sensación que contagia al espectador. No digo que nadie se vaya a volver loco viéndola pero transmite una connotación pretendidamente exagerada de locura. Y es de esas películas construida a partir de sus personajes y para los personajes. Por tanto, es cine que pasará directamente a culto sin pasar por la casilla de salida. O al menos, factores tiene para ello.
   Interpretación: Nunca me ha parecido un mal actor, de hecho, creo que es muy solvente generalmente en sus actuaciones, pero últimamente veo a Colin Farrell bastante inteligente en la elección de sus papeles, saliéndose habitualmente de las grandes producciones pero tampoco renunciado a ellas. En este film no es para mí el más afinado pero si lo hace bien. Sam Rockwell está mejor haciendo crecer a su personaje más y más a lo largo del argumento hasta ser prácticamente el protagonista. Pero quien me pareció genial, como casi siempre, es ese actorazo que es Christopher Walken. Está soberbio, dando clases de como se hace en cada intervención.
   Escena (spoiler): Es corriente en películas de este tipo hacer una especie de escena-prólogo para proponer las pautas a seguir y poner en situación al espectador. Tanto en diálogos como en ironía y comicidad, y sobretodo, el desenlace de la secuencia, éste me parece brillante. La pseudo-historia de los cortes de cuello es muy ingeniosa y tienen más importancia de lo que parece en principio. Con más sentido dramático se podría resaltar también el asesinato de la esposa enferma de Walken. Y, por supuesto, el impredecible y, por lo tanto, sorprendente final.
   LO PEOR: Todo lo positivo que he destacado anteriormente es precisamente el motivo para decir que no es un film apto para todos los públicos y mucho menos para los que les gusten las películas lineales y coherentes con la pauta habitual. Y hay que reconocer que es cierto que hay algunas escenas y reacciones las cuales carecen de sentido lógico. Pero como decía, seguramente de forma intencionada.
   CITAS: “¿Cuándo vas a encontrar un trabajo que no consista en robarle a otra gente?”. “¿Qué hacemos ahora, una peli francesa? Me parece un final muy absurdo. ¿Ni un sólo disparo?”
   REFERENCIAS: Tiene muchos diálogos post Tarantino. Incluso, en ocasiones, la estructura de la película se asemeja a su cine, como en el prólogo. Pero bueno, luego tiene un tono anárquico y , aparentemente, descontrolado al estilo “Miedo y asco en Las Vegas” o “Very bad things”
   CONCLUSIÓN: 6'5. Una locura de comedia negra y muy gamberra.



sábado, 26 de octubre de 2013

Música de Película: Temas extraños


  Viendo el otro día "The Lords of Salem" tuve la sensación contagiosa que la melodía del misterioso disco protagonista de la historia quería transmitir. Y como lo prometido es deuda, aquí la tenéis. Tranquilos que como sé que es un poco rayante, he puesto una muestra de un minuto nada más. Pero antes, la música del ritual de la última película de Staley Kubrick, que también es extraña de narices.




Tema: Masked ball.
Película: Eyes wide shut.
Intérprete o compositor: Jocelyn Pook.





Tema: The Lords theme.
Película: The Lords of Salem.
Intérprete o compositor: John 5 & Griffin Boice.


jueves, 24 de octubre de 2013

The Lords of Salem



   FICHA TÉCNICA

Película: The lords of Salem.
Dirección y guión: Rob Zombie.
Países: USA, Reino Unido y Canadá.
Año: 2012.
Duración: 101 min.
Género: Terror.
Interpretación: Sheri Moon Zombie (Heidi), Bruce Davison (Francis), Jeff Daniel Phillips (Herman), Ken Foree, Dee Wallace (Sonny), Meg Foster (Margaret), Maria Conchita Alonso (Alice).
Producción: Jason Blum, Andy Gould, Oren Peli y Rob Zombie.
Música: John 5 y Griffin Boice.
Fotografía: Brandon Trost.
Montaje: Glenn Garland.
Diseño de producción: Jennifer Spence.
Vestuario: Leah Butler.
Distribuidora: eOne Films Spain.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En la actualidad, Salem (Massachusets), lugar antiguamente conocido por sus leyendas de brujería. Heidi es una locutora de radio de una emisora de rock. Un día recibe un extraño disco, de un grupo llamado The Lords. Su música perturbará el lugar de nuevo.
   LO MEJOR: Rob Zombie es de esos directores que te tiene que gustar porque su cine tiene un estilo personal propio. Y yo me confieso que soy de aquellos que le gusta. Es un creador de sensaciones. Más que buscar encuadres o tener una técnica depurada, Zombie es alguien que se propone hacer sentir al espectador lo que se propone en busca de meterle en la película. Traslada aquí el tono onírico que utilizó en “Halloween II” (mucho más personal) a lo David Linch, a través de una ambientación sumamente desasosegante que produce una percepción malsana del pueblo donde se desarrolla la acción. Zombie hace continuas referencias a films clásicos modernos de terror (“El resplandor”, “El exorcista” y sobre todo “La semilla del diablo"). Atención al mal rollo contagioso del disco “satánico” protagonista, que procederé a poneros en estos días en la sección "Música de Película".
   Interpretación: Después de aparecer como secundaria en los anteriores trabajos de Rob Zombie, su mujer, Sheri Moon es aquí el centro total de la historia. Debo decir que ya tenía ganas porque me habían gustado sus breves pero interesantes aportaciones anteriores, sobre todo como madre de Michael Myers de niño. A ver, no nos volvamos locos, no es una actriz de relumbrón. Pero tampoco me ha parecido que haya llevado nada mal el protagonismo casi absoluto del film. Por lo demás, habría estado bien aprovechar más el personaje de Bruce Davison al que no se le saca jugo. Como curiosidad, la participación de Dee Wallace, una veterana del género, junto a Barbara Crampton y Maria Conchita Alonso.
   Escena (spoiler): Pues tiene algunos momentos verdaderamente llamativos. Nada más empezar, el prólogo nos hace pensar hacia donde va a ir el film con un aquelarre en condiciones. Me parece especialmente interesante la primera vez que ponen el disco maldito en la emisora donde trabaja Sheri Moon y el efecto que va provocando en las mujeres del pueblo. Es más, Zombie busca que nadie se quede indemne de dicho efecto. Tampoco está mal cuando Moon es atraída por las brujas hacia el apartamento del mal.
   LO PEOR: Está claro que Rob Zombie ha echado toda la carne en el asador en el “como” más que en el “que”. No tiene, por tanto, un gran guión, ni mucho menos, con bastantes lagunas argumentales y algunos giros muy abruptos. La historia está algo descuidada y sirve más como pretexto para permitirle a l director aportar una batería de imágenes inquietantes (muy buenas, eso si).
   CITAS: “Dios no perdona a los ángeles cuando pecan”. “Cuando los Señores de Salem posean el alma de las mujeres de Salem, el hijo del diablo heredará la Tierra”.
   REFERENCIAS: Tiene de todo un poco. Algunos llaman a esto plagio pero viendo que el estilo de Zombie permanece en todo momento, para mí son homenajes. La historia es muy “La semilla del diablo” con imágenes a lo “La profecía”, “El exorcista” y, sobre todo, el ambiente brujeril y sobrenatural de Dario Argento en “Suspiria”.
   CONCLUSIÓN: 7’5. Rob Zombie en estado puro.






martes, 22 de octubre de 2013

Escenas Míticas: Poderes mentales - Scanners




   Casi tenía que incluirla obligatoriamente en el ciclo de "Escenas . . ." de la temática de este mes. El irregular, transgresor, experimental pero, en definitiva, genial director canadiense, David Cronenberg, nos aportaba una película sobre poderes mentales, más centrado concretamente de la "telepatía".



   Los protagonistas de este film tienen la capacidad de leer los pensamientos de la gente, de escucharlos como voces en su cabeza y de, aunque sea involuntariamente, infligir daño en las mentes de los demás.
   


   Una de las secuencias más conocidas de la película. Estamos ante el villano, Darryl Revok (Michael Ironside - Tyler en la serie "V"), que se encarga de eliminar a todos los exploradores (scanners) que no participan en su causa. El desenlace de la escena es tremendo. Juzguen ustedes.



   Comprobamos la capacidad de poder de Revok, al que es prácticamente imposible capturar. De hecho, como podemos ver, es todo lo contrario, los que corren peligro son precisamente los demás. Tenemos, por tanto, dos modelos, los que tienen poderes a su pesar y el que los tiene y los utiliza en su beneficio. ¿Cual seríais?



   Revok continua deshaciéndose de otros psíquicos acabando así con la competencia. Y cuando no lo hace personalmente, induce telepáticamente a otros para que lo hagan. He aquí una demostración de ello.



   Ya tenemos la revelación final que, por otra parte, podríamos adivinar, pues son los psíquicos de mayor poder. Y es que son hermanos. La secuencia es muy del estilo del director, es decir, con bastantes excesos sanguinolentos, viscosos y muy muy gráficos, pero que se convirtieron en santo y seña de su cine y del cine fantástico y de ciencia-ficción de los ochenta.

domingo, 20 de octubre de 2013

Spartacus: la guerra de los condenados



   FICHA TÉCNICA

Título: Spartacus (Sangre y arena, Dioses de la arena, Venganza).
País: Estados Unidos.
Año: 2010.
Duración: 55 min (Sangre y arena -13 cap.-, Dioses de la arena -6 cap.-, Venganza -10 cap.-)
Género: Acción, historia, erotismo.
Guión: Brent Fletcher, Aaron Helbing, Todd Helbing, Miranda Kwok, Steven S. DeKnight, Tracy Bellomo, Andrew Chambliss, Daniel Knauf
Interpretación: Andy WhitfieldLucy LawlessJohn HannahManu BennettPeter MensahNick TarabayViva BiancaLesley-Ann BrandtJai CourtneyErin CummingsCraig Walsh-WrightsonEka DarvilleAntonio Te MaiohaAnde CunninghamDaniel FeuerriegelKatrina LawBrooke WilliamsDavid AustinJanine BurchettJohn BachLliam Powell
Música: Joseph loDuca
Fotografía: Aaron Morton.
Producción: Starz Media / Starz Productions; Productor: Sam Raimi.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Han pasado seis meses desde la muerte de Gabro. Las decenas de hombres que componían la rebelión de Espartaco se han convertido en un ejército de miles de libertos. Ahora le encargan a Marco Craso acabar con la revolución.
   LO MEJOR: Seamos claros, quien haya llegado hasta aquí, ya sabe de que va el asunto y si siguen a bordo es porque les gusta el barco. Ahora no vale decir que hay mucha sangre y sexo. No, porque si algo ha sido esta serie es fiel a su propio estilo, a sus bases y a su estética. Y esto es llevado en su última temporada a su máxima expresión. Porque se han ampliado los medios en busca de un final más épico todavía, con un notablemente elevado número de extras para dar más realismo y espectacularidad en las batallas, más variedad de escenarios y tramas más elaboradas. Hay más acción que nunca, más combates y más batallas. Y no nos olvidemos que esta serie, seguramente, ha provocado que mucha gente se haya interesado por la verdadera historia de Espartaco.
   Interpretación: Reconozco que Liam McIntyre ha mejorado con el personaje. Parece que éste le encaje mejor y consigue un poco más de carisma como Espartaco. Hay inclusiones importantes, sobre todo, en el bando de los romanos. Como es el caso de Marco Craso, que fue quien acabó con la rebelión, pero es retratado como un hombre que respeta a Espartaco y hasta le admira. O el caso de su hijo Tiberio, verdadero villano de esta tercera temporada. Y la introducción de personaje de Julio Cesar, al que parece prepararse para un posible spin-off propio tras esta serie. En cuanto a las féminas, se nota poderosamente las ausencias de Lucrecia (Lucy Lawless) e Ilithiya (Viva Bianca). En su lugar, Anna Hutchinson y Gwendoline Taylor, pero no es lo mismo.
   Escena (spoiler): Pues la batalla del primer episodio ya nos indica eso que comentaba de que los medios son más generosos en esta temporada. También está muy bien cuando Craso ordena la Decimatio para castigar a los soldados que han huido. O cuando Espartaco somete a una veintena de soldados romanos a una especie de juegos de gladiadores. Y como no podía ser de otra manera, la batalla final donde Espartaco se enfrentó a Craso y terminó con la caída del primero, aunque no se encontró su cadáver.
   LO PEOR: No es que parezca que sea precisamente una preocupación para los productores pero desde luego que el rigor histórico es su talón de Aquiles. Quien conozca la historia de Espartaco (y si no, lo recomiendo) mínimamente, sabrá que la fidelidad a los hechos verdaderos es muy esquemática. Es decir, los puntos clave más importantes están pero luego, a partir de ahí, se han tomado un torrente de libertades.
   CITAS: “Un hombre puede aceptar su destino o ser destruido por él”. “Mi bota buscará tu culo en la otra vida”. “Cada decisión que tomas le da forma a tu destino”
   REFERENCIAS: A estas alturas del tinglado, la única referencia es la propia serie con sus otras tres temporadas (precuela incluida). Si hay que recordar que la estética y el gusto por la cámara lenta se copió de “300”.
   CONCLUSIÓN: 7. Han sabido cuando terminar y lo han hecho muy dignamente.



sábado, 19 de octubre de 2013

Música de Película: Trance




   Ya decía en la crítica de la películas que el cine de Danny Boyle se caracteriza por tener una presencia musical muy importante. Y aquí tenemos unos ejemplos de las experiencias sonoras que preparó para este film Rick Smith, que ya colaboraba con Boyle en la música de "Sunshine" junto a John Murphy, que veremos muy pronto por aquí, por cierto.


Tema: Bullet cut.
Película: Trance.
Intérprete o compositor: Rick Smith.


Tema: Bring it to me.
Película: Trance.
Intérprete o compositor: Rick Smith.


Tema: Here it comes.
Película: Trance.
Intérprete o compositor: Emeli Sandé & Rick Smith.


jueves, 17 de octubre de 2013

Trance



FICHA TÉCNICA

Película: Trance.
Dirección: Danny Boyle.
País: Reino Unido.
Año: 2013.
Duración: 113 min.
Género: Thriller.
Interpretación: James McAvoy (Simon), Vincent Cassel (Franck), Rosario Dawson (Elizabeth).
Guión: Joe Ahearne y John Hodge.
Producción: Christian Colson.
Música: Rick Smith.
Fotografía: Anthony Dod Mantle.
Montaje: Jon Harris.
Diseño de producción: Mark Tildesley.
Vestuario: Suttirat Anne Larlarb.
Distribuidora: Hispano Foxfilm.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Simon, un empleado de subastas de obras de arte, se compincha con una banda de ladrones para dar un golpe. Pero precisamente al ser golpeado durante el robo, olvida donde ha escondido el botín. Entonces contratan a una hipnoterapeuta para sacarle ese recuerdo.
   LO MEJOR: Es todo un viaje. Sus primeros cuarenta y cinco minutos enganchan tremendamente. Después se embarulla un poco pero vuelve para el tramo final que es de auténtico infarto. Además, se vuelve a confirmar que Danny Boyle es un narrador de otra clase, que puede gustar más o menos, pero que no se puede negar que es diferente al resto y muy original en sus puestas en escena, lo que le da un aire fresco a su cine. Buena muestra de ello es que sus películas son experiencias tanto visuales como auditivas, porque imprime bastante importancia a la banda sonora y a los temas musicales que adhiere a sus escenas. Además, aquí demuestra que tiene la capacidad de descolocarte en cualquier momento, con giros verdaderamente sorprendentes. Lo dicho, un viaje.
   Interpretación: El trío protagonista está sobresaliente. El caso de Vincent Cassel sorprende pues su papel podría ser mucho más típico, pero no, tiene sus connotaciones y él lo sabe interpretar adecuadamente. James McAvoy también está notable, cambiando varias veces de registro psicológico en pocos minutos sin caer para nada en el histrionismo. Y la que está de dulce es Rosario Dawson, con un grado de sensibilidad y templanza ejemplar, controlando perfectamente su personaje.
   Escena (spoiler): Prácticamente todas las sesiones de hipnosis a las que es sometido McAvoy son a cual más interesante, a cual más llena de matices y dobles lecturas. La parte en la que la historia se torna más violenta con su personaje, repartiendo tiros y cambiando, como decía antes, de personalidad, está muy bien llevada. Pero es el tramo final, con una revelación que hace que muchas de las anteriores escenas cuadren como un rompecabezas perfecto, la que te deja con los ojos como platos.
   LO PEOR: Si que es cierto que el film se vale de muchos trucos y trampas para que caigas en sus redes. Pero están convenientemente dosificadas y no son demasiado abruptas. Pero tiene un tramo después de los primeros tres cuartos de hora en los que la trama se enrevesa demasiado y corre el riesgo de desenganchar al espectador ante tal cúmulo de continuos giros, que ya no sabe uno que pensar de donde se quiere llegar. Seguramente que este tema sea totalmente pretendido.
   CITAS: “La decisión es tuya. ¿Quieres recordar o quieres olvidar?”. “Somos la suma de todas las cosas que hemos llegado a decir, hacer y sentir. Y todo ello lo envolvemos con un tejido que revisamos y recordamos constantemente. Así que para ser tú mismo, tienes que recordarte constantemente a ti mismo”.El recuerdo no se destruye, está encerrado en una jaula y si cuentas con la fuerza y con la violencia suficiente, la cerradura se puede romper”.
REFERENCIAS: Tiene mucho que ver con el cine anterior de Danny Bpyle en forma y en el tema de la música. Recuerda a la frescura de su ópera prima “Tumba abierta” por su profundidad psicológica. En cuanto a la complejidad de la película, tiene reminiscencias de “Tránsito”.
   CONCLUSIÓN: 8. Cine fresco, original e inteligente.



martes, 15 de octubre de 2013

Escenas Míticas: Poderes mentales - Chronicle




   Sorpresón el que me llevé con esta película, que aplica la técnica "mockumentary" (tan explotada de unos años a esta parte) de forma sobresaliente, utilizando, no solo la cámara del protagonista, sino las de vigilancia de los establecimientos, las de la policía o las de los medios de comunicación, para tener más puntos de vista y no limitar la narración, algo que ocurre también en "The bay", pero de temática distinta.




   No es que sea muy esmerada la explicación de porque los chavales comienzan a tener poderes. Es más, apenas utiliza esta escena de pretexto, sin dedicar mucho desarrollo a este tema. No se sabe ni de donde viene eso que presencian, ni porque está ahí, ni nada.



   Tiene bastante sentido esta parte. Son adolescentes y acaban de descubrir que tienen unas habilidades extraordinarias, y lo único que se plantean es utilizarlas sin importar de donde las han sacado y que posibles problemas podrían acarrearles.



   Aquí nos explicamos algunas de las conductas del protagonista. Se cumple aquí el perfil de "Carrie". Es decir, el de una persona reprimida en una faceta de su vida, afectándole a su personalidad, que de repente se ve con el poder con el que castigar a los demás. 




   Andrew es el centro de todo. Está muy bien tratado y notablemente interpretado por Dane DeHaan. Durante el desarrollo de la historia comprobamos el efecto que sus nuevos poderes ejercen en él, pero a nivel psicológico. Es un chico al que no le han ido las cosas demasiado bien, una presa que de pronto tiene la posibilidad de ser el depredador. Atención a la frase: "El león no se siente culpable cuando mata una gacela. Tú no te sientes culpable cuando matas una mosca".



   De nuevo volvemos a "Carrie". Andrew tiene la capacidad de no ser la víctima, de mirar a los demás desde una posición de superioridad. Es por ello que da rienda suelta a su ira y decide dar una lección al mundo.




   En definitiva, una muy buena película, que demuestra que este formato de filmación no está reñido con la calidad y las buenas historias. Es algo que ya demostró "Cloverfield"("Monstruoso"). Que me gusta este tipo de cine pero hay que reconocer que el nivel medio está muy bajo. Por eso cuando hay ejemplos como éste, me llama mucho la atención. Crítica Chronicle: http://clubcinefilos.blogspot.com.es/2012/07/chronicle.html

domingo, 13 de octubre de 2013

Los últimos días



    FICHA TÉCNICA

Película: Los últimos días.
Dirección y guión: Àlex Pastor y David Pastor.
Países: España y Francia.
Año: 2013.
Duración: 103 min.
Interpretación: Quim Gutiérrez (Marc), José Coronado (Enrique), Marta Etura (Julia), Leticia Dolera (Andrea), Iván Massagué (Lucas).
Producción: Alberto Marini, Pedro Uriol, Mercedes Gamero y Kristina Larsen. Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Daniel Aranyó.
Montaje: Martí Roca.
Dirección artística: Balter Gallart.
Vestuario: Olga Rodal.
Distribuidora: Warner Bros.
  
   CRÍTICA

   SINOPSIS: Se produce una enfermedad a niveles generalizados. Se trata de una especie de agorafobia global que obliga a la gente a permanecer en el interior de los edificios. El pánico de adueña de la población. Marc es un informático que emprende la búsqueda de su novia en emedio de esta situación.
   LO MEJOR: He de reconocer que la atmósfera creada por los hermanos Pastor está bastante lograda. Consigue esa sensación opresiva tan habitual como necesaria para esta clase de historias. Además, el relato está realizado de forma creíble, con situaciones justificadas, con una Barcelona (aunque no son muchos los planos en los que se muestre la ciudad) recreada de forma muy realista en lo que se refiere a las calles vacías y demás. De alguna manera, la película muestra otra forma de terror, no basado en las orgías de sangre, las pandemias zombies o las invasiones alienígenas. No, nos muestra algo más interno, algo que podría pasarle a cualquiera, la agorafobia. Y es curioso que siendo un trastorno que hace que el sujeto tenga miedo a los espacios abiertos, el film explote más el ambiente claustrofóbico.
   Interpretación: Algo muy importante en una película en la que el peso recae sobre dos actores es que haya química. Pues bien, esto si se consigue aquí. Quim Gutiérrez y _José Coronado integran una pareja de protagonistas muy diferentes pero complementarios. Bien es cierto que la partida la gana Coronado. Tanto en su faceta como persona más antipática como en la de amigo sacrificado, resuelve de forma sólida y convincente sus escenas. Vamos, como viene siendo habitual en sus últimos proyectos.
   Escena (spoiler): Pues hay tanto escenas emotivas como de suspense. A veces, mezclado. El intento de robo del gps en la atestada estación de metro es un ejemplo. O cuando al volver a su piso encuentran una familia ocupando su casa, que no tenían a donde ir y se producen unos momentos de tensión. O el agobiante e interminable cruce de la calle de Quim Gutiérrez en busca de Marta Etura hacia el final. Sin embargo, el epílogo no me convence nada. No me encaja ni creo que venga a cuento del propósito de la historia. Deberían haberlo dejado en el cruce de la calle antes mencionado.
   LO PEOR: La narración no es nada dinámica, más bien lenta. Y aunque es cierto que al tener los personajes miedo al exterior, lo escenarios sean mayormente interiores justificadamente, quizá se abuse de ello y podrían haberse combinado perfectamente con más visiones de la ciudad, aunque fuera desde el interior de los edificios. Y, como en su proyecto anterior, los directores nos dejan sin explicación de porque la llegada de la enfermedad ni nada.
   CITAS: “Creo que está pasando algo y no nos estamos esperando”. “No queda nada, esto hace tiempo que se terminó”.
   REFERENCIAS: Tiene que ver bastante con el anterior trabajo de los directores, “Infectados”, en el que también dejaban, adrede, por dar las explicaciones de la enfermedad. Por otro lado, el hecho de ser una pandemia distinta a la rabia de “28 días después”, más de tipo psicológico me ha recordado a “A ciegas”.
   CONCLUSIÓN: 6’5. Lograda atmósfera para otro tipo de terror.



sábado, 12 de octubre de 2013

Música de Película: Pacific Rim




   Es un tipo de banda sonora de otra manera, no tanto por su calidad sino por lo pegadiza, que es lo que se le pide a estas películas de carácter más comercial, un poco a lo "Transformers". Su compositor, Ramin Djawadi no tiene grandes obras en su carrera, salvo su participación de "Iron man" y haber sido ayudante del gran Hans Zimmer, pero a muchos les sonará por crear la melodía de "Juego de tronos". En fin, en mi opinión, ésta no le ha salido mal. He añadido, además, un tema que incorporaba el trailer de la película que me llamó la atención.


Tema: Main theme.
Película: Pacific Rim
Intérprete o compositor: Ramin Djawadi.


                                
Tema: Passages.
Película: Pacific Rim.
Intérprete o compositor: Ninja Tracks.


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