miércoles, 31 de octubre de 2012

Escenas Míticas: Clásicos del terror V - Carrie





   No es la más terrorífica ni mucho menos, de hecho, hasta llegar a la  fase final podríamos considerar que su verdadero género es el drama. Y es por eso que me encanta esta película. Carrie consigue que la compadezcamos, que deseemos que sea feliz, que nos pongamos de su parte y queramos que les de su merecido aquellos que se burlan de ella, solo por ser diferente. Carrie, por medio de una grandísima interpretación de Sissy Spacek, se mete al espectador en el bolsillo, por su fragilidad y su vulnerabilidad.



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   Si Brian De Palma es uno de mis directores favoritos es por escenas como esta. Que dominio de la puesta en escena, del movimiento de la cámara, de la imagen ralentizada, de los planos . . .  Y que música de Pino Donaggio, habitual colaborador de De Palma, que acompaña perfectamente lo que esta pasando en pantalla, que en definitiva es que se está mascando la tragedia.
 
 
 
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    Será que me revientan aquellos que la toman con los más débiles, los tímidos o, simplemente los que no son como ellos. Será que disfruté como un enano viendo como Carrie White les castigaba  sin compasión y sin perdonar ni una sola vida. O que su imagen, cubierta de sangre, con los ojos hiperabiertos, como si se le fueran a salir de las órbitas de pura ira; se me quedó grabada. O como va bajando las escaleras con los brazos extendidos, sobre un fondo de fuego y repartiendo (valiéndose de sus poderes telequinéticos) odio y muerte por doquier. Por cierto, Brian De Palma utilizó uno de sus trucos favoritos, la pantalla partida, y un uso de la iluminación roja para crear la ambientación perfecta.
 
 
 
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    La figura de la madre es vital en la historia de la pobre Carrie. Una fanática religiosa que tiene martirizada a su hija con la cantinela de los pecados y esas monsergas. Ya de vuelta en casa, tras la matanza del baile, Carrie limpia la sangre que tiene encima (momento bastante simbólico a mi parecer) y recurre a su madre, quien la consuela pegándole (literalmente) una puñalada. Atención a la posición en la que queda Piper Laurie (otro simbolismo) tras el enfrentamiento y al desenlace de la escena.
 
 
 
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    Bien es cierto que la primera vez que vi esta película era un chavalín y que hoy en día esta clase de escenas están ya muy manidas, pero el susto que me llevé fue de campeonato. Gran colofón para una gran película.
 
 
   Para la primavera de 2013 está previsto el estreno del remake. Chloë Grace Moretz será la nueva Carrie, una actriz de la que ya he expresado en este blog mi admiración a pesar de su juventud. La madre será Julienne Moore, actriz de gran talento. No me contenta tanto quien han puesto a cargo de la dirección pero . . .  Eso si, en la novela de Stephen King, Carrie destruye media ciudad, algo que por falta de presupuesto no se pudo adaptar en la versión que todos conocemos. ¿Se atreverán ahora? 
 
   Y para la semana que viene cambio de temática. ¿Cual?  Pues . . .  os pasáis por aquí y lo veis.

domingo, 28 de octubre de 2012

Martha Marcy May Marlene


 

 
FICHA TÉCNICA

Película: Martha Marcy May Marlene.
Dirección y guión: Sean Durkin.
País: USA.
Año: 2011.
Duración: 102 min.
Género: Drama.
Interpretación: Elizabeth Olsen (Martha), Christopher Abbott (Max), Brady Corbet (Watts), Hugh Dancy (Ted), Maria Dizzia (Katie), Julia Garner (Sarah), John Hawkes (Patrick), Louisa Krause (Zoe), Sarah Paulson (Lucy).
Producción: Josh Mond, Antonio Campos, Chris Maybach y Patrick Cunningham.
Música: Saundern Jurriaans y Danny Bensi.
Fotografía: Jody Lee Lipes.
Montaje: Zac Stuart-Pontier.
Diseño de producción: Chad Keith.
Vestuario: David Tabbert.
Distribuidora: Hispano Foxfilm.
 

   SINOPSIS: Tras estar conviviendo durante un tiempo en el seno de una secta, una chica adolescente consigue escapar. Decide pedirle ayuda a su hermana, quien la aloja en su casa. Sin embargo, su comportamiento delatará que tiene serias secuelas.
   LO MEJOR: Es cine independiente puro y duro, y como tal, su presupuesto es mínimo y sus actores poco o nada conocidos. La historia retrata un aspecto de lo que podríamos denominar “América profunda”. En ella podemos ver perfectamente el funcionamiento de una secta y las consecuencias de pertenecer a una en algún momento de la vida. Está contada en flashbacks que se integran adecuadamente hasta el punto de parecer, en ocasiones, que pertenecen a la propia narración presente. Y se muestra en una evolución cada vez más oscura, señalando el contraste de una vida normal y una integrada en una secta.
   Interpretación: Elizabeth Olsen está de sobresaliente. Es perfecta su versión del personaje, mostrando la sensibilidad, vulnerabilidad y fragilidad de este. Y lo transmite con gran naturalidad, convenciendo al espectador de su estado anímico. A su vez, el líder de la secta capta interés y miedo a partes iguales, teniendo un tremendo paralelismo con lo que sabemos de Charles Manson (no es descartable que haya servido de inspiración).
   Escena (spoiler): La fiesta que la hermana organiza en su casa y en la que Martha pierde totalmente los papeles es muy indicadora que su estado psicológico no es para nada normal. Tampoco hay que perder de vista la escena en la que entran en una casa a robar y son sorprendidos por el propietario, desencadenando un trágico desenlace que impacta por su frialdad y sordidez.
   LO PEOR: Tiene un ritmo extremadamente lento, hasta exasperar. Además, los pocos y pausados diálogos, y la casi ausencia de música contribuyen a que esa sensación de lentitud sea más palpable. Ya sé que no es su objetivo romper taquillas pero se podría haber agilizado un poco la cosa para hacerla más consumible.
   CITAS: “- ¿A cuanto estamos? - ¿De dónde? – De ayer”. “Eres una maestra y una líder”.
   REFERENCIAS: Recuerda, como ya decía antes, a los documentales y reportajes que se han hecho sobre “La familia”, cuyo líder era el sociópata Charles Manson, y cuyos actos dieron la vuelta al mundo.
   CONCLUSIÓN: 6. Retrato de una secta americana.

 
 
 
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viernes, 26 de octubre de 2012

Blancanieves y la leyenda del cazador






   FICHA TÉCNICA

Película: Blancanieves y la leyenda del cazador.
Título original: Snow White and the huntsman.
Dirección: Rupert Sanders.
País: USA.
Año: 2012.
Duración: 128 min.
Género: Fantástico, acción.
Interpretación: Kristen Stewart (Blancanieves), Charlize Theron (reina Ravenna), Chris Hemsworth (Eric, el cazador), Sam Claflin (príncipe William), Bob Hoskins (Muir), Toby Jones (Coll), Nick Frost (Nion), Ian McShane (Beith), Ray Winstone (Gort), Brian Gleeson (Gus).
Guión: Evan Daugherty, John Lee Hancock y Hossein Amini; basada en una historia de Evan Daugherty.
Producción: Sam Mercer y Joe Roth.
Música: James Newton Howard.
Fotografía: Greig Fraser.
Montaje: Conrad Buff y Neil Smith.
Diseño de producción: Dominic Watkins.
Vestuario: Colleen Atwood.
Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: La reina sabe que solo hay una mujer más bella que ella, lo cual amenaza con menguar su poder. Para solucionarlo, envía a un cazador  para que le dé muerte. Pero cuando el cazador la encuentre, no podrá cumplir con su cometido.
   LO MEJOR: Notablemente mejor que la versión de Tarsem Sight. Es de agradecer que se hayan dignado a dar una versión más madura y seria del cuento. De hecho, para nada busca al público infantil. Hay un despliegue bastante generoso de medios, lo que permite mostrar algunas batallas (tampoco vamos a decir que sean grandiosas) e incluir criaturas fantásticas para las cuales se han empleado buenos efectos visuales. Son curiosas las formas en las que se han puesto los elementos clásicos de la historia tales como el espejo, la manzana, el beso para despertar a Blancanieves, . . .
   Interpretación: No me pareció del todo mal el papel de bruja de Julia Roberts pero al ver a Charlize Theron no puedo negar que es superior a la protagonista de “Pretty woman”. Cuenta para ello con un personaje dotado de más complejidad, lo que aprovecha para convertirse en lo más interesante del film. Kristen Stewart está correcta, más suelta que siendo Bella en “Crepúsculo”.
   Escena (spoiler): Desde el punto de vista visual hay escenas de cierta categoría. Los distintos combates protagonizados por el ejército de cristal o el enfrentamiento con el troll. Pero la entrada en el bosque negro, por su adecuada ambientación, me parece lo más resaltable.
   LO PEOR: Aunque se hayan decantado claramente por un enfoque más adulto no hubiera estado de más añadir algún que otro toque cómico. A estas historias les viene siempre bien un poco de humor para cambiar el tercio de vez en cuando. Además, es una versión muy, pero que muy libre. A aquellos que son fanáticos de la fidelidad al relato les parecerá un sacrilegio. Yo, sin embargo, creo que la trama se enriquece.
   CITAS: “Si vuelves sin mí, estás muerto. Si te vas sin mí, estoy muerta”.
   REFERENCIAS: Pertenece más al género de la fantasía que al propio de cuentos infantiles. Hay ciertas reminiscencias de “Willow”, “Harry Potter” e incluso “Excalibur” (he dicho ciertas reminiscencias).
   CONCLUSIÓN: 7. La versión más fantástica y menos infantil del cuento.

 

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miércoles, 24 de octubre de 2012

Escenas Míticas: Clásicos del terror IV - El resplandor.





   Quizá "El exorcista" (comentada la semana pasada) sea la película más terrorífica del género, pero mi favorita es esta que nos ocupa. Basada en una novela de ese genio literario del terror que es Stephen King. El argumento narra un escritor que lleva a su familia a un hotel, el Overlook para ejercer de vigilante de este durante el invierno que es cuando quedaba cerrado. El relato original cuenta como los fantasmas y espíritus del lugar se hacen con Jack Torrance, el nuevo vigilante, para convencerle de que asesine a toda su familia. Stanley Kubrick le dio un giro de tuerca más imprimiéndole a la historia el componente psicológico: el de sentirse totalmente aislado.



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   El escenario es tan importante que casi es un personaje más. Largos pasillos repletos de puertas y misterios. Kubrick recurrió a este efecto de seguir con la cámara al pequeño Danny a bordo de su triciclo mientras recorre el hotel. En esta ocasión, descubrirá una de las imágenes imprescindibles del film: las gemelas.
 
 
 
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   Soy de los de la opinión que sin un actor de la talla y expresividad de Jack Nicholson, el resultado para nada habría sido el mismo. Esta es una de las escenas más conocidas, probablemente la que más. Torrance, ya presa de la locura, se dispone a hacer filetes a su mujer y su hijo. Diciendo aquello de "cabritillos, cabritillos, . . ." destroza la puerta, tras la cual se esconden estos, a hachazo limpio. Imagen imposible de olvidar.

 
 
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   El señor Hallorann se marca todo un viaje para volver al hotel haciendo caso a su presentimiento de que algo horrible está pasando. Y precisamente horrible es lo que le pasa a él. Que tiene narices que después de hacer el trayecto hasta allí, nada más llegar le endosen un señor hachazo. Atención a la música, que es de lo más crispante.  

 
 
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   El joven Danny se la juega bien a su padre volviendo sobre sus propios pasos y engañándole, de tal modo, que ya no consigue salir del laberinto y es vencido por el frío. En el vídeo vemos dos imágenes que también se quedarían en la retina de los espectadores: la de la avalancha de sangre que inunda la entrada del hotel y la de Jack Torrance congelado.

domingo, 21 de octubre de 2012

V de vendetta




   FICHA TÉCNICA

Película: V de vendetta.
Dirección: James McTeigue.
Países: USA, Reino Unido y Alemania.
Año: 2005.
Duración: 132 min.
Género: Acción, drama, thriller.
Interpretación: Natalie Portman (Evey), Hugo Weaving (V), Stephen Rea (Finch), Stephen Fry (Deitrich), John Hurt (Adam Sutler), Tim Pigott-Smith (Creedy), Rupert Graves (Dominic), Roger Allam (Lewis Prothero), Ben Miles (Dascomb), Valerie Berry (Bane), Sinead Cusack (Delia Surridge), Nathasha Wightman (Valerie), John Standing (Lilliman).
Guión: Los Hermanos Wachowski; basado en la novela gráfica creada por Alan Moore y David Lloyd.
Producción: Joel Silver, Grant Hill, Andy Wachowski y Larry Wachowski.
Música: Dario Marianelli.
Fotografía: Adrian Biddle.
Montaje: Martin Walsh.
Diseño de producción: Owen Paterson.
Dirección artística: Marco Bittner Rosser, Sarah Horton y Sebastian T. Krawinkel.
Vestuario: Sammy Sheldon
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   CRÍTICA

   SINOPSIS: En un futuro no tan lejano, Gran Bretaña se encuentra sumida en una dictadura totalitaria que controla todos actos de sus ciudadanos. Un hombre enmascarado que se hace llamar “V” planea una revolución que acabe con el régimen.
   LO MEJOR: El guión nos ofrece toda una colección de frases que invitan a la reflexión. Los diálogos, por lo tanto, son de una calidad muy superior a la media, quedándonos un mensaje social y político muy alejado de los tiempos que corremos actualmente. “V” se presenta no solo como el elegido para abrir los ojos a los demás personajes sino a los propios espectadores. Es prácticamente imposible no sentir empatía con él. Y que el guión esté tan bien trabajado no hace que se descuiden cosas como la ambientación y la fotografía, que son magníficas.
   Interpretación: A pesar de no poderle ver la cara a Hugo Weaving, elabora el personaje de forma soberbia. Y el hecho de solo verle tras la máscara y, por tanto, aparecer como un anónimo para el público sirve para que nos identifiquemos con “V” y pensemos que él es nosotros o nosotros podríamos ser él. Por otro lado, Natalie Portman también demuestra estar a la altura de las circunstancias.
   Escena (spoiler): La escena más atractiva es la que el protagonista se enfrenta en las alcantarillas de la ciudad con todo un ejército de pistoleros valiéndose de unos cuchillos. Pero memorable es la secuencia final en la que todos los ciudadanos se dirigen al ayuntamiento (sede del poder gubernamental) vestidos con la indumentaria de “V”.
   LO PEOR: Juega peligrosamente con el doble rasero que producen ciertas simbologías en ciertos conceptos. Por ejemplo, héroe-terrorista o justicia-violencia. El gran público no debería confundir estos términos pues el film no hace apología ni del terrorismo ni de la violencia, sino de la libertad, aunque para ello utilice la revolución.
   CITAS: El pueblo no debería temer a sus gobernantes, son los gobernantes los que deberían de temer al pueblo”. “Este concierto se lo dedico a la señora Justicia en honor a las vacaciones que parece se está tomando”. “Anarquía significa sin líderes, no sin orden”.
   REFERENCIAS: En la película se menciona en varias ocasiones “El conde de Montecristo” como símbolo de la justicia y la venganza. Pero visualmente recuerda a “1984”, e incluso, “Brazil”, de Terry Gillian. Y se nota que los hermanos Wachowski andan por ahí.
   CONCLUSIÓN: 8’5. Acertadísimo mensaje para los tiempos que corren.


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jueves, 18 de octubre de 2012

Luces rojas


 

   FICHA TÉCNICA

Película: Luces rojas. 
Título original: Red lights.
Dirección y guión: Rodrigo Cortés.
Países: España y USA.
Año: 2012.
Duración: 119 min.
Género: Thriller sobrenatural.
Interpretación: Cillian Murphy (Tom Buckley), Sigourney Weaver (Margaret Matheson), Robert De Niro (Simon Silver), Elizabeth Olsen (Sally Owen), Leonardo Sbaraglia (Palladino), Toby Jones (Doctor Shackleton), Joely Richardson (Monica Handsen).
Producción: Rodrigo Cortés y Adrián Guerra.
Música: Víctor Reyes.
Fotografía: Xavi Giménez.
Dirección artística: Antón Laguna.
Vestuario: Patricia Monné.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International Spain

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Dos científicos se dedican a investigar sucesos paranormales con la intención de demostrar que son fraudes. Y lo hacen con bastante éxito hasta que llega a la ciudad un psíquico que vuelve después de treinta años y a quien nadie ha podido demostrar que su poder no es real.
   LO MEJOR: Fomenta su interés mediante una trama dividida en dos. Por un lado trata de cómo desenmascarar un fraude, sus entresijos y trucos. Y por otro de la propia caza del impostor. Pero para enrevesar todo esto tiende un puente entre ambas tramas planteándonos la posibilidad de que el impostor no sea tal. Juega con el espectador creándole continuas disyuntivas con estos conceptos como base, lo que capta su atención. Se vale para ello de una acertada puesta en escena. Mención especial para el final (que no revelaré), uno de esos que llaman “final trampa”. Puede que si lo sea pero no se puede negar que causa la sorpresa deseada.
   Interpretación: Cillian Murphy es un gran actor, y no lo digo solo por esta película. Está capacitado para mostrar la complejidad que sus personajes le generan, y lo hace con credibilidad y expresividad más que suficientes. Pero se echa de menos más protagonismo de ese monstruo interpretativo que es Robert De Niro y que nos deja la sensación de desaprovechar su talento cuando la dualidad protagonista Murphy/De Niro hubiera sido más interesante.
   Escena (spoiler): El primer espectáculo de Silver impresiona y descoloca a partes iguales quedándonos la duda de si es real o una serie de trucajes (la tónica habitual del film). Pero es ese ya mencionado giro final es el que nos deja con la boca abierta.
   LO PEOR: Todo ese juego que se trae sobre creer o no creer, sobre si es una intriga o algo más cercano al suspense, e incluso al terror, llega a crear cierta confusión. Esto ocurre, de manera más concentrada, en el último segmento, que no sabemos que está pasando realmente. Quizá, el director debiera haberse decantado más claramente por uno de esos géneros.
   CITAS: “La magia la has hecho tú mirando donde no debías”. “Uno no puede negarse siempre a si mismo”.
   REFERENCIAS: La analogía con las dos películas de magos “El ilusionista” y, sobre todo, “El truco final” es inevitable. Ya sea por el tema, es decir, los engaños dentro y fuera de la pantalla; como por el juego de doble moral que maneja, aunque esto, Christopher Nolan lo hacía mejor. El final es muy a lo Night Shyamalan.
   CONCLUSIÓN: 7. La clave es saber quien miente y quien no.

 
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martes, 16 de octubre de 2012

Escenas Míticas: Clásicos del terror III - El exorcista

 

   Cada vez que se hace una encuesta sobre las películas más terroríficas de la historia del cine, la que nos ocupa hoy queda en el primer o segundo lugar. Es un dato bastante indicativo del impacto que supuso este film para las masas. Y la verdad es que estoy muy de acuerdo con esto porque "El exorcista" tiene una colección de imágenes y secuencias de esas que no se olvidan. Veamos algunas.



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   En fin, Reagan era una niña muy contenta y feliz hasta que es poseída por uno o varios (no queda claro) demonios como poco, digamos, puñeteros. Así que no era de extrañar que la pobre chica empezara a manifestar un comportamiento un tanto extraño. Aquí, los médicos se dan cuenta que les va a resultar pero que muy díficil explicar lo que le pasa.



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   Tras un millón de pruebas psiquiátricas de todo tipo, incluida una sesión de hipnosis (en la que Reagan le estruja sus partes nobles al especialista),  y de explicaciones de lo más variopinto, lo acaecido en esta ocasión  hace que la madre se decida a cambiar el tercio y llamar refuerzos en plan más religioso. La cría termina la escena diciendo: "Has visto lo que ha hecho la cochina de tu hija".
 
 
 
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    Esta secuencia es de lo más completo. En pleno exorcismo, con los dos sacerdotes dándolo todo. Toda clase de insultos, blasfemias e improperios. Reagan soltándose de sus ataduras y levitando en sus narices. Y esa imagen del ídolo diabólico (esto creo que corresponde a la versión del montaje del director). 
 
 
 
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   El momento de la verdad. El exorcista sucumbe al poder del demonio y termina por morirse. Pero el padre Karras saca fuerzas de flaqueza y reta al maligno a que le posea a él. Y pica el anzuelo, instante que Karras aprovecha para lanzarse por la ventana, directito al infierno. Por cierto, su nombre de pila es Damien, ya sabéis, como el niño-anticristo de "La profecía". Curioso, ¿verdad?

domingo, 14 de octubre de 2012

Acero puro

 

  
   FICHA TÉCNICA
 
Película: Acero puro.
Título original: Real steel.
Dirección: Shawn Levy.
País: USA.
Año: 2011.
Duración: 127 min.
Género: Ciencia-ficción, acción, drama.
Interpretación: Hugh Jackman (Charlie Kenton), Evangeline Lilly (Bailey), Dakota Goyo (Max Kenton), Kevin Durand (Ricky), Anthony Mackie (Finn), Hope Davis (tía Debra), Karl Yune (Tak Mashido), Olga Fonda (Farra), John Gatins (Kingpin), James Redhorn (Marvin).
Guión: John Gatins; basado en un argumento de Dan Gilroy y Jeremy Leven; inspirado en el relato “Steel”, de Richard Matheson.
Producción: Don Murphy, Susan Montford y Shawn Levy.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Mauro Fiore.
Montaje: Dan Zimmerman.
Diseño de producción: Tom Meyer.
Vestuario: Marlene Stewart.
Distribuidora: Buena Vista International Spain.
 
   CRÍTICA
 
   SINOPSIS: En un futuro no muy lejano, el boxeo, tal y como lo conocemos, ya no existe. Ahora los combates los protagonizan robots. Charlie Denton se dedica a dar espectáculos con el suyo por todo el país. Tras verse obligado a pasar el verano con un hijo del que no conocía su existencia, rehabilitan un robot para combatir con él.
   LO MEJOR: Será que me encantan estas películas de deporte basadas en la superación personal y el triunfo del débil sobre el que se supone más fuerte pero lo cierto es que esta película me parece tan entretenida como divertida, es decir, bastante. A sus dosis de acción y humor, agrega momentos de gran emoción. Además capta al espectador pues estas historias junto con las de relación padre-hijo en las que el primero debe recuperar al segundo siguen funcionando y tocando la fibra.
   Interpretación: Hugh Jackman acostumbra a estar siempre muy correcto y esta no es una excepción. Su papel es muy típico pero él lo asume y lo lleva a cabo con oficio. Por cierto, no entiendo porque Evangeline Lilly no le dan más bola. Y no digo solo en esta película sino en general. Me parece una actriz con gran sensibilidad a la que se le podrían dar papeles más amplios. De hecho, en  “Perdidos” me parecía de lo mejor de la serie.
   Escena (spoiler): Evidentemente, los combates entre los robots son el mayor atractivo. Cualquiera de ellos, el del principio con el toro, el de Midas, el del zoo, . . . Pero el combate final de Atom contra Zeus es muy emocionante. A Atom solo le faltaba apellidarse Balboa.
   LO PEOR: A pesar de funcionar, el argumento está muy manido. Tanto la ya mencionada relación padre-hijo como el tema de David contra Goliat se han tratado mil veces. Vamos que gusta pero no hay nada nuevo bajo el sol. Además, el film es “para todos los públicos”, es decir para el disfrute familiar y puede parecer algo infantil.
   CITAS: “No te preocupes, tu secreto está conmigo”. “Un poco es mejor que nada”.
   REFERENCIAS: Pues es como la versión robótica de “Rocky” y bebe de esa inspiración por todos los costados (hasta Midas tiene el peinado de Mr-T). Por otro lado, el tema del crío recuerda a “Campeón” sobre el boxeo también.
   CONCLUSIÓN: 7’5. Emoción para toda la familia.
 
 
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